El latido trágico de La malquerida de Benavente

Tras tu etapa como directora del Teatro Español (2019-2023), ¿qué sientes cada vez que vuelves a este espacio?

Siempre da muchísima alegría. Más allá de por haberlo dirigido, es un escenario fuera de lo común y eso lo sabes desde que lo pisas por primera vez. El equipo del Teatro Español es estupendo y siempre te hacen sentir muy a gusto. Para mí, es como estar en casa y, sin embargo, a la vez, no deja de removerme porque tengo muchas vivencias aquí. Forma parte de mí de alguna manera, o yo formo parte de él, ambos creo, parece ser que nos llevamos bien en ese aspecto.

Dices en el texto de presentación de la obra que te acercaste a Jacinto Benavente con motivo de la celebración del centenario del Premio Nobel de Literatura que ganó en 1922. De todas sus obras, ¿qué poso te dejó La malquerida en una primera lectura para querer trabajar sobre ella?

Hace más de 30 años vi la versión dirigida por Miguel Narros, donde también estaba Aitana Sánchez-Gijón, en aquella ocasión en el papel de la hija, mientras que ahora interpreta a la madre, y para mí fue una obra que me golpeó brutalmente por todo: por lo bien interpretada y dirigida que estaba y, sobre todo, por el texto. Desde entonces, es una obra de referencia, pero es verdad que no la había releído desde que era muy joven, porque en la Escuela de Arte Dramático tampoco suelen tratar este tipo de autores. Con motivo del aniversario, descubrí también obras cortas de Jacinto Benavente que son increíbles, pero La malquerida me parece increíble, sobre todo, el latido trágico que tiene alejándose del melodrama. A lo largo de mi carrera, no he dirigido nada melodramático porque es un género, o un subgénero más bien, que yo no comparto. Me gusta la tragedia de la comedia o la tragicomedia y la poética que se construye alrededor. No me había acercado a la tragedia más rural, pero ahora siento que estoy preparada. He sido muy lenta en mis querencias y las he destilado como se destila el café.

Que se desarrolle en un ambiente rural, ¿es algo sustancial en la obra?

Hay algo primitivo o primario que se muestra mucho más en el campo que en la ciudad. Cosas como la de tomarse la justicia por tu mano también se pueden dar en la ciudad, pero solemos asociarlo más a lo rural. De todas formas, hay que decir que aquí hablamos de una familia rica que vive en un pueblo y que vive ocultando lo que siente por vergüenza o el qué dirán. Alrededor de eso surgen muchos temas.

Teniendo la referencia lejana de esa versión dirigida por Miguel Narros, ¿de qué premisas partíais Juan Carlos Rubio y tú al trabajar en la adaptación?

Le ofrecí el texto a Juan Carlos porque habíamos trabajado genial en Queen Lear y le dije que debíamos ir directos a la tragedia. Quisimos quitar el costumbrismo, eliminar todo ese alargar situaciones que no se cree nadie y apostar por la credibilidad. Al hacerlo, Juan Carlos vio que se revelaba una poética digna de Lorca, quizá por eso Lorca fue tan admirador de Benavente. En la obra aparecen símbolos que luego van a estar muy presentes en la dramaturgia del granadino y hemos reforzado ese aspecto. Además, nos interesaba ir a los personajes que nos parecían más esenciales y que tuvieran cuerpo, porque la arquitectura estaba.

¿Había algún personaje al que queríais dar más protagonismo?

Sí. Por un lado, a Juliana, que es la criada al cuidado de la casa y a Acacia, la hija, desde que era una niña. Es como el contrapunto, sin que sea el personaje cómico, es el que tiene humor, ternura y que, al mismo tiempo, alberga toda la sabiduría popular, para bien y para mal. Y, por otro lado, Faustino, que es el prometido de Acacia, que en la obra original su aparición es fugaz. Hemos creado una escena nueva porque queríamos que, de alguna manera, el público se enamore de este niño, que tenga ganas de que se case.

¿Qué significa el sutil cambio del título de La malquerida a Malquerida?

Significa respeto al autor y a nosotros porque hemos hecho una adaptación y no creíamos conveniente llamarla exactamente igual, es una nueva mirada. En la obra se sigue hablando de La malquerida en referencia a Acacia, no lo evitamos, porque además es el título de esa copla que dice Benavente que existió, aunque no es cierto. Para esta producción, Mariano Marín se la ha inventado para que suene en distintos momentos.

Impresiona cómo Benavente presenta los hechos, no hay ningún juicio de valor ni sobre las situaciones ni sobre los personajes.

A mí eso me parece muy inteligente. ¿Quiénes somos para decir lo que está bien o mal? Me parece un pensamiento muy infantil y Benavente huye de eso mostrándonos tanto la maldad del ser humano como la bondad. Estamos ante una situación en que sentimos esto y a la vez lo contrario, y al mismo tiempo tenemos un lío que te mueres porque nadie sabe nada. Hay un nudo tremendo de emociones, sensaciones, miedos, angustias, desazón… sobre todo porque hay personajes que no tienen nada claro. Eso causa diferentes reacciones: desde el que se va al monte a desfogar hasta el que directamente tira por la violencia y el abuso.

Si el juicio sobre las acciones de unos protagonistas que viven a principios del s. XX. recae en un público actual, ¿habéis hablado de cómo va a ser la reacción ante ciertos hechos que ahora resultan condenables?

No creemos que vaya a resultar tan sencillo condenar a unos u otros personajes. El montaje tampoco juega a eso porque entonces no me interesaría. No puedo desvelar mucho de la trama porque quiero que el público vaya descubriendo poco a poco lo que está pasando en esta familia, pero puedo decir que hay temas que no se han abordado mucho en el teatro. 

En la adaptación habéis quitado una parte de la escena final que de alguna manera servía a dos de los protagonistas para expiar parte de lo que han hecho.

No nos resultaba creíble, es una manera de dulcificar ciertas cosas y hacer que todo sea estupendo. Leía eso y me volvía loca, no podía concebir ese diálogo porque aquí reina el egoísmo y la maldad cuando buscas conseguir lo que quieres.

Según avanza la obra, te vas enganchando porque toma forma de una historia de suspense alrededor de un asesinato.

Exactamente. Además, hay como un juego continuo con el peligro que viene de fuera y el que viene de dentro de la propia familia. Eso también me fascina, es como lo consciente y lo inconsciente. Los secretos, el misterio, la justicia… están tanto dentro y fuera, y hay como un movimiento permanente que hace que la obra no pare de girar y de enseñarte una carta diferente cada vez.

Otro tema que está muy presente es la diferencia de clases sociales y la relación entre ellas presentando parejas de personajes cada uno de una condición.   

El clasismo atraviesa todo lo que va pasando. Norberto, al que acusan del primer asesinato, es el primo pobre de la familia y una pieza que ven como prescindible. Sin embargo, la gente del pueblo lo apoya en contra del criterio de sus propios parientes. Los personajes pobres que acompañan a los de clase alta son los que les dicen las verdades porque, además, se les da cierta confianza y se convierten en confidentes. Hasta un punto, claro, porque como soy el amo te hago callar cuando ya no quiero oírte. 

Comentabas que al leer a Benavente habíais visto como influyó en autores como Lorca. Después de haber montado a tantos autores, a donde más te lleva esta obra.

A Bodas de sangre, sin duda, pero también a las tragedias clásicas. De hecho, en la obra hemos creado una especie de coro clásico que simboliza al pueblo y estamos trabajando en una percusión con piedras y en diferentes variaciones sobre la copla de La Malquerida musicalizada de diferentes formas. Se supone que esta historia sucede en un pueblo de Castilla y León y nos hemos inspirado en coplillas de esa zona.

Sobre el papel es una obra bastante estática, ¿cómo lo habéis abordado en la puesta en escena?

Creando una adaptación para que haya cierto ritmo. Es más, ya te adelanto que el ritmo es trepidante. También jugando con los distintos espacios, tanto con el espacio presente de una escena como con los espacios latentes, las caballerizas, por ejemplo. Y los espacios ausentes, como el del pueblo. Realmente no es una obra tan estática como parece y, en esta producción, hay un momento en el que rompemos con el dentro y fuera cuando ya el chapapote, por decirlo de alguna manera, inunda todo.

Aitana Sánchez Gijón vuelve a esta protagonizar esta obra, como ya comentabas. ¿Su visión ha cambiado con el paso de los años?

Ella tiene muy buena memoria de lo que hizo en su momento con Narros y me enseñó toda una retahíla de fotos que guardaba de este montaje. Cuando leyó la adaptación se quedó muy tranquila al ver que no habíamos tirado por el costumbrismo, que era algo que a ella ahora mismo no le interesaba. Interpretar a la madre, Raimunda, es un viaje brutal para cualquier actriz y ella está en el momento idóneo para ello.

Esteban, el marido de Raimunda y padrastro de Acacia, es otro personaje muy complicado de abordar, ¿Cómo lo estás trabajando con Juan Carlos Vellido?

Estamos planteando un Esteban en el que se algo más que a alguien malvado, más bien, a un hombre bueno que tiene malos pensamientos. Intentamos huir de hacer arquetipos, me gusta muchísimo el tema de la cara oscura de la luna, pero también mostrar la luna. Me refiero a ahondar en la parte de luz y de sombra de cada personaje. Bellido es brutal para este papel. Bueno, lo cierto, es que todo el elenco está fantástico. Hemos hablado mucho y ha habido un proceso lento de entender bien el texto, de su humanidad, su belleza y su complejidad.

¿Se podría resumir en que es una historia de amor tóxico?

El callar, el mentir, el ocultar, es muy tóxico, claro, para mi es algo que solamente puede aportar desgracia o dolor.

Para acabar, quería preguntarte sobre la producción de El zoo de cristal que te has encargado de adaptar y dirigir. La estrenaste hace unos meses en Bilbao en el Teatro Arriaga, pero no hemos tenido noticia de gira nacional.

A mí me gustaría que la tuviera. Es producción del Arriaga y, en su momento, me dijeron que tendría gira en castellano y en euskera. No sé qué ha pasado, pero tengo esperanzas que se concrete porque es un gran espectáculo del que me siento muy orgullosa.

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