Ainhoa Amestoy adapta y dirige Los cuernos de Don Friolera, de Ramón María del Valle-Inclán, una obra que narra, desde el esperpento, la espiral de locura y celos en la que se sumerge un militar al recibir un texto anónimo con información infundada sobre una infidelidad de su mujer.
Ya hablamos con ella al hilo del estreno de la obra en mayo pasado. Ahora regresan abriendo la temporada 25/26 de los Teatros del Canal.
Roberto Enríquez, Nacho Fresneda, Lidia Otón, Ester Bellver y Pablo Rivero Madriñán encabezan el elenco de esta propuesta que podrá verse del 2 al 14 de septiembre.
No sé si ha sido casualidad, pero el estreno coincide con el mes de la mujer, llegando a Teatros del Canal 4 días antes de la celebración del 8 de marzo. ¿Es este un texto adecuado para estas fechas tan reivindicativas?
Desde luego uno de los temas principales de la obra es la violencia machista. No obstante, la reivindicación de estas cuestiones tiene que ser diaria, por eso elegimos llevar esta obra a escena, para hacer una reflexión profunda sobre el tema.
En lo que al mes de marzo se refiere, también podemos resaltar que estrenamos el 4 de marzo, martes de Carnaval, algo que coincide con el título de la trilogía en la que Valle-Inclán incluye esta pieza. Y, por último, se conmemoran también en este mes los cien años redondos de la publicación completa de la obra.
Valle-Inclán presenta aquí a España como un país tradicionalmente machista y hace de ello una parodia muy satírica y cómica. Anteriormente, y en la actualidad, ¿es una buena forma de llamar la atención sobre esta lacra de nuestra sociedad?
La sociedad patriarcal ha formado parte de nuestra realidad, y como tal impregna también los textos de autores que no tienen una intención claramente feminista, como es el caso de Valle-Inclán. Es importante seguir cuestionándola, apoyándonos en figuras de la calidad literaria de Valle-Inclán, incluso aunque su intención principal no sea la de denunciar la violencia machista.
Es tu primer montaje como directora desde que se anunció tu colaboración con los Teatros del Canal. Querría saber, por un lado, en qué se está concretando encargarte del repertorio de los siglos XX y XXI en el espacio y, por otro, por qué te interesaba dentro de este proyecto llevar a escena este texto específico de Valle-Inclán.
Principalmente en este momento soy directora residente y asesoro cuando se solicita mi colaboración. Se me encomendó esta sección correspondiente a los siglos XX y XXI y consideré apropiado empezar por esa primera mitad del siglo XX con uno de los grandes autores españoles y la cumbre de un género de su invención: el esperpento. En Los cuernos de don Friolera, un texto no excesivamente representado en teatro profesional, el autor expone ampliamente el género, más que en ningún otro texto, y lo desarrolla.
No es tu primer acercamiento al autor, ¿no dudas ante las dificultades que tiene representar el llamado Teatro en Libertad que desarrolla en sus textos?
He dirigido La noche de Max Estrella en varias ocasiones y, llegados a este punto, no me echa en absoluto para atrás, todo lo contrario, me parece enormemente estimulante. Creo que en España tenemos, como bien dices, demasiado miedo a Valle, y eso nos limita.
Desde Estival Producciones, productora que diriges junto a Alejandro de Juanes, presentasteis hace un par de años en Que de noche lo mataron, un acercamiento a El caballero de Olmedo desde una perspectiva absolutamente contemporánea. ¿Por qué en esta ocasión, sin embargo, por lo que sé, habéis optado por ser fieles al original, manteniendo también el tiempo y el espacio donde se desarrolla la obra?
La contemporaneidad reina siempre, aunque una no modifique en exceso el texto. Soy una directora contemporánea y dirijo desde mi mirada del siglo XXI. En el caso de aquel texto, la propuesta proponía un doble plano: clásico y contemporáneo. Otras veces he dramatizado textos narrativos, como sucedió en Desengaños amorosos, de María de Zayas, o Quijote. Femenino. Plural, basado en El Quijote, de Cervantes, o epistolares, como en Amor, amor, catástrofe, sobre las cartas del poeta Pedro Salinas. Cada espectáculo conduce a una dramaturgia diferente.
Firmas también la adaptación del texto, ¿qué pautas has seguido y qué has querido lograr?
Quiero que se entienda, pero sin rebajar el nivel intelectual del texto y sin perder a Valle-Inclán en el camino. Además, busco que se adecue a una duración óptima y que apoye el trabajo de todo el equipo artístico. Siempre digo que en teatro trabajamos con textos vivos y susceptibles de cambios; el proceso de investigación no finaliza hasta el día de la última función, por lo que adaptamos en función de lo que la escenificación pide.
La obra presenta muchos personajes y escenarios, ¿cómo habéis afrontado el reto?
Para comprender los muchos lugares es muy importante la concepción escenográfica, que presenta una especie de cárcel, matadero o corrala, panóptico donde todos vemos y somos vistos. Los actores encuentran allí una enorme libertad y creatividad, y la disposición permite al espectador ubicar rápidamente los espacios que van desde Galicia hasta Andalucía: casas, calles, locales, cementerios, plazas, etc. Como novedad, jugamos diversos planos de acciones; es decir, a la acción principal se le unen acciones secundarias en otros ámbitos del espacio escénico, generando un enorme movimiento ciudadano.
Los personajes concebidos por el autor en el texto original has sido asumidos prácticamente en su totalidad de manera lúdica por nuestro magnífico elenco. Incluso interpretamos varios animales: perros, cotorras, ratones… Algunos actores hasta triplican personajes, pero desde la sencillez y la magia. Incluso tenemos personajes narradores que enuncian las magistrales acotaciones del autor; una oportunidad única si el espectador quiere escucharlas, ya que no es habitual su inclusión.
La abundante música adopta una perspectiva esperpéntica y folclórica. Podemos considerar que se va descomponiendo y deformando. Y el vestuario parte de lo popular español pero visualizado desde el simbolismo, el minimalismo y lo sombrío. El expresionismo y su evolución ha sido uno de nuestros puntos de partida a la hora de concebir el montaje, así como la metateatralidad, que nosotros multiplicamos.
Además de hablar de cuestiones como el honor y los celos, la obra trata muchos temas y no deja títere con cabeza: el deterioro moral, la frustración tras la pérdida de las colonias, la corrupción del ejército y la política, la iglesia… ¿Cómo los has abordado?
Con la contundencia que requieren. Valle-Inclán hace un interesante repaso social, histórico e incluso ético, que tiene que estar presente porque forma parte consustancial del texto, y nos da un panorama global del país y de Europa. Además, nos ha interesado de manera muy especial el tema de la identidad: ¿Friolera hace lo que quiere o lo que la sociedad demanda de él? Y otros temas actuales como las ‘fake news’.
También habla de la cultura y no se libran de sus críticas el conservadurismo intelectual, Calderón… y hasta Shakespeare. ¿Cuál es el motivo?
Él sabe cuál es el teatro que defiende y pone sobre la mesa su teoría literaria con ejemplar maestría, planteando su orden de prioridades, y criticando de manera radical, como bien dices, el dogmatismo del drama español. En una entrevista posterior para el diario ABC hablará de las tres formas de enfrentarse a los personajes: mirándolos desde abajo como héroes, de frente, como los shakesperianos, o desde arriba, como sucede con los títeres, fundamentales en el universo del autor y que tendrán un lugar muy especial en nuestra propuesta.
Uno de los personajes afirma: “En la literatura aparecemos como unos bárbaros sanguinarios. Luego se nos trata, y se ve que somos unos borregos». ¿Crees que expresa el pensamiento del propio autor?
Valle-Inclán siempre se deja ver tras sus líneas, como suele suceder, por otra parte, con casi todos los autores. En este caso se suma que nos encontramos frente a una pluma especialmente crítica y provocadora.
¿A qué se refiere otro de los personajes de la obra al afirmar: “Si nuestro teatro tuviese el temblor de las fiestas de toros, sería magnífico”?
Los toros son una fiesta a “vida o muerte” y creo que ese grado catártico y apasionado, frente a lo frío y codificado, es lo que resalta el dramaturgo.
Al leer el texto, cuesta sentir afecto por algún personaje. ¿Qué pretende Valle-Inclán tomando esta distancia hacia ellos?
Nosotros, como tenemos que encarnarlos, siempre vemos las contradicciones de todos los personajes y todas sus caras (las negativas y las positivas). Indudablemente la hija de Friolera es la única que podría salvarse si adoptamos la perspectiva que indicas; la corrupción lo impregna todo. El distanciamiento por otra parte es sin duda una de las claves que Valle-Inclán deja sobre la mesa para que trabajemos sobre ello.
Se ha descrito a esta obra como Trigedia por su estructura en tres partes. ¿Es algo que vais a mantener en el montaje?
Valle-Inclán adoraba las construcciones trimembres y nosotros las adoptamos también aquí. Es una de las características más destacadas y modernas de la obra. Por ejemplo, las series de Netflix actualmente nos tienen muy acostumbrados a guiones que trabajan audacias de este tipo. Sería un error prescindir de ella, no se entendería el sentido completo del texto y la teoría que expone, relatada en el prólogo y el epílogo. Además, es un reto apasionante marcar esos tres universos.
El público que no conozca la obra, ¿crees que se va a sorprender de la crueldad que demuestra en algunas escenas y lenguaje que utiliza, igualmente brutal?
Sorprenden la crudeza de ciertas partes y también la extrema comicidad de otras. No deja indiferente. De eso se trata: vamos al teatro para que nos “meneen”.
Llevas ejerciendo como docente muchos años, principalmente en el ámbito teatral. Con obras como ésta, que saca a la palestra tantos temas y esconde tantas reflexiones, ¿te dan ganas de hacer un hacer un seminario tras cada función y comentar todo lo que alimenta a esta historia?
Hago muy a menudo encuentros con el público con muchísimo gusto (en Teatros del Canal también habrá). Es enormemente enriquecedor, y más con obras tan complejas como la que nos ocupa y con tantas capas. A los espectadores les fascina conocer qué hay por detrás de una propuesta y a nosotros escuchar qué han visto o les ha llamado la atención. Incluso hemos preparado un cuaderno didáctico para los docentes o curiosos que lo soliciten.
Desde ese mismo espíritu pedagógico, ¿qué has intentado inculcar o compartir con el elenco sobre Valle-Inclán y su teatro?
Se ha realizado un profundo trabajo de análisis para comprender todo lo que estamos desentrañando y aunar nuestro punto de vista. Para mí el trabajo de mesa es fundamental.
Roberto Enríquez como Don Friolera, Lidia Otón como Doña Loreta, su mujer, y Nacho Fresneda como Pachequín, forman el trío protagonista. ¿Cómo han lidiado con personajes y situaciones tan extremos?
Hemos partido de la verdad para luego llevarlo al terreno del juego puro y duro, pero sin perder nunca de vista el anclaje con el fondo de lo que estamos contando. Todo el equipo ha hecho un trabajo espectacular, máxime contando con la dificultad de la propuesta. Nuestro propósito ha sido descubrir dónde puede estar el esperpento del siglo XXI.
Valle-Inclán dijo: “No conozco una tortura mayor para mi sensibilidad estética que ver representada una obra mía. Todo es distinto de lo que yo había pensado”. ¿Qué crees que pensaría de vuestra propuesta?
Se quedaría atónito para empezar porque han pasado cien años y las cosas han cambiado mucho en todo este tiempo. Intuyo que protestaría, pero seguro que en su fuero interno nos daría por lo menos un aprobado.
¿Cómo esperas que el público la reciba?
Adivino que puede sorprender en muchos sentidos.
¿Qué proyectos te esperan en tu escritorio para cuando esta obra ya camine sola?
Los hay, pero, de momento, centrémonos en lo inminente, que ya es mucho. Tras las varias semanas de exhibición en los Teatros del Canal la obra emprenderá una gira por España.
