Lo primero que habría que apuntar sobre esta obra es que se trata de una producción de AZarte. ¿Esto ya define, de alguna manera, ciertas características que va a cumplir el montaje?
Si te soy sincera no sé si, en los 30 montajes que hicimos, hay alguna constante más que la ilusión y el amor por lo que hacemos y por compartirlo. Si tenemos dos líneas definidas de investigación: una es sobre los distintos formatos de exhibición, como es el caso de Dentro y fuera, que sucede en dos salas simultáneamente, y la otra es la exploración de los límites del teatro y el cine en el hecho escénico, como en Lo que tú quieras y VOS de Carol López, entre otras. Dentro de esos dos caminos, que tienen millones de vertientes, cada nueva obra tiene una búsqueda de trabajo y una temática diferente, aunque en todas está muy presente el tema de la identidad como motor, imagino que esta podría ser otra constante.
Me cuesta pensar los trabajos como una unidad, los veo a todos muy distintos. Unos nacen de las ganas de colaborar con un autor o director, otros de una obra que nos interpela y muchos de un texto que escribo, y siempre termino durante el verano, porque el resto del año no encuentro tiempo de sentarme a escribir. Hicimos textos de autores como Lars Noren o Joseph María Miró, obras de creación colectiva, obras de un año de investigación como En tus ojos siempre será verano, basada en cuentos de Kjell Askildsen, trabajos alineados con uno de los objetivos primordiales de la sala, que es apoyar a nuevxs creadorxs y obras que ponen el foco en problemáticas tan diversas como: igualdad de género, temáticas LGTBIQ+, inclusión social de minorías y dificultades socioeconómicas.
Lo único que sí puedo decirte, que está en absolutamente todos los trabajos, es la voluntad de cuestionarnos la sociedad en la que vivimos y nuestro compromiso personal con la construcción de un mundo mejor, que en cada obra se aborda desde una perspectiva diferente. Supongo que esta podría ser la tercera constante de todas nuestras obras.
¿Por qué elegís este texto en su momento? ¿Qué elementos reúne que os parecieron interesantes?
Cuando diseñé la sala, lo primero que soñé es hacer una obra que suceda en dos espacios a la vez y público en ambos. Durante el año que duró la reforma tuve tiempo de plantear la historia y los personajes, la idea era abrir AZarte con este montaje, pero la vorágine de las licencias, reforma, apertura y primeros años de gestión, hizo imposible que pueda escribir el texto y montar un juego escénico tan complejo. Cuatro años después de abrir, busqué un director que se animara a escribir dos historias con tonos completamente diferentes, que compartan 4 actores desesperados por llegar a ambas mientras recomponen sus vidas. Víctor García León las escribió y dirigió con tanto humor, como profundidad.
Lo que nos interesó de este experimento era ver como funcionaban dos obras de géneros distintos, representadas a la vez y con los mismos actores. Lo curioso es que si ves primero la obra de la ficción, te parece una apuesta más experimental y si comienzas por los camerinos, la obra se vuelve una comedia desopilante. El orden en el que las veas altera la percepción de la experiencia total. Creo que es un viaje, tanto para los actores como para el público que la ve y la recomienda, ayudándonos a que llenemos sin publicidad, cada vez que la reponemos. Con este nuevo elenco ya vamos a por el quinto mes en cartel.
Sin duda, es una propuesta diferente por la dualidad en su forma y tramas. Ahondemos en lo primero, ¿cómo es la puesta en escena de dos historias diferentes al mismo tiempo?
Muy divertida, no solo porque entramos y salimos permanentemente de dos personajes y obras completamente distintas en tono, sino y sobre todo porque a medida que avanza la función nos vamos replanteando personal y profesionalmente el lugar en el que estamos y eso genera unos arcos de personaje que dan mucho juego. La puesta en escena fue un reto y la mejor manera que encontramos fue plantearla como una unidad, como dos espacios de la misma obra, aunque en las escaleras cambiemos de tono y personaje, ensayamos siempre en los dos espacios simultáneamente.
Algunas veces en escena pasan cosas que surgen de la relación entre los actores y las actrices, como espectadores solemos descubrir que hay instantes que están cargados de algo más de lo que está sucediendo en la obra. Este es el punto de partida de este juego escénico en el que se ve el derecho y el revés de una función. Como sabes, Dentro y fuera son dos obras en una, en la sala de arriba ves la ficción en clave de comedia de dos parejas en una lujosa suite de París y en la de abajo eres testigo, en un pequeño camerino de una sala Off, de las realidades bien distintas de esos intérpretes.
Esta es una función sobre una función, el decorado y la tramoya, el anverso y el reverso de una obra teatral, en la que un grupo de actores entra y sale desesperadamente de cada una de las dos funciones, intentando recomponer su propia vida.
¿Qué dos tramas se nos presentan con los subtítulos de París y Camerinos?
La obra que transcurre en la sala de teatro es una comedia que subtitulamos París. En ella, Max y Eva entran en la habitación de un hotel parisino con la intención de recuperar la pasión perdida durante años de rutina. Pero no llegan ni siquiera a intentarlo, porque empiezan a escuchar en la habitación contigua a otra pareja, Ellie y Jim, que hacen el amor violentamente. Las dos parejas tienen problemas diametralmente opuestos, la complicidad y el deseo. Así comienza una comedia sofisticada, llena de dobles sentidos, champán y equívocos sentimentales… Que empezará pronto a resquebrajarse para intuir los conflictos reales de los actores que la están representando.
La obra que transcurre en los camerinos es un drama que subtitulamos Camerinos. En esta ocasión, Max en realidad es Arturo y está casado con su amante ficticia en la obra de Paris, Luisa/Ellie. Al mismo tiempo, Arturo ha tenido un escarceo amoroso con la otra protagonista de la obra, su mujer sobre el escenario, Ana/Eva. El cuarto actor involucrado, Jim/Diego, con sus propios conflictos, resulta ser la víctima y testigo involuntario de una situación violenta y angustiosa. En los camerinos asistimos a la misma historia que vemos sobre el escenario, un triángulo amoroso. Pero en un tono mucho más sombrío y real.
En definitiva, mientras en escena vemos a cuatro personajes tomando champán y admirando la torre Eiffel desde la ventana de su suite, en los camerinos nos asomamos a las vidas de cuatro personas que están completamente desorientadas y a la deriva. Algunas veces es difícil vivir sin tener un guion que seguir.
Vamos a asistir a un vodevil con mucha comedia y a una vuelta de tuerca con elementos más dramáticos. Más allá de ser una historia sobre relaciones, amor, deseo… ¿Cuáles dirías que son los temas que emergen durante la función?
París es una comedia sobre infidelidades y deseos no satisfechos que se va deformando porque la realidad de los actores se vuelve insostenible. El problema es que refleja, en farsa, un conflicto que en los camerinos es mucho menos efervescente y bastante más triste, volviéndose un juego de espejos deformantes que descubre, detrás de esa máscara bufa, más verdad de la que uno podría esperar. Como te comentaba al principio, el tema de la identidad y, particularmente en esta obra, la pareja, son el punto de partida para repensar quiénes somos y hacia dónde vamos.
En Camerinos vemos unas máscaras más estilizadas, más finas, más verosímiles… Y por lo tanto mejores mentirosas, más entrenadas para ocultar los verdaderos sentimientos detrás de una broma, para esconder los conflictos debajo del silencio. La identidad como un cúmulo de construcciones, la vida como una representación. Todos los personajes usan máscaras para entrar y salir de ellos mismos, todos proyectan sus identidades a través de espejos, poniendo el foco en lo que es real versus lo que estamos dispuestos a enseñar, lo que está dentro y lo que vemos fuera.
Es una experiencia novedosa para el público asistir a una propuesta de este tipo, pero ¿cómo es para el elenco meterse en la piel de dos personajes que comparten ciertos aspectos, al tiempo que son completamente diferentes?
Es una locura divertidísima, subir y bajar las escaleras cambiando de personaje y de genero de obra cada 3 minutos. Un delirio, que solo se consigue con muchos ensayos, concentración y buen estado físico, porque las escaleras y la doble función son bastante intensas.
El título hace referencia al dentro y fuera de escena, pero también tiene un doble sentido, ¿no?
Sí. El título es ambiguo, y como bien dices hace referencia al dentro y fuera de escena y de los dos espacios que se manejan. Pero también hace referencia al juego de cada uno de los cuatro actores que usan máscaras para entrar y salir, tanto de ellos mismos como de los personajes que interpretan, proyectando sus identidades a través de los espejos del callejón del gato y poniendo en evidencia que muchas veces somos más honestos detrás de un personaje de ficción que en nuestro día a día con las personas que de verdad nos importan.
El título plantea la dualidad de lo que es real y lo que queremos enseñar, de lo que está dentro y de lo que dejamos ver fuera.
En otros proyectos te hemos visto encargarte también de la dramaturgia y la dirección. ¿Por qué quisisteis contar con Víctor García León en esta ocasión?
Como te comentaba al principio, no encontraba el tiempo de poder sacar adelante un proyecto tan ambicioso, así que buscamos un director que escribiera para hacerlo. Víctor maneja muy bien la comedia, el sarcasmo, las dobles lecturas y tiene una mirada llena de humor y profundidad. Todo esto le venía muy bien a la obra. No quería que la historia se quedara simplemente en la exploración del formato, me interesaba ir más allá de eso. Y creo que Víctor hizo un trabajo estupendo del cual siempre estaremos agradecidas.
¿Cuál ha sido la evolución de la obra desde su estreno en 2014?
La obra se estrenó en AZarte en el 2014 dirigida por Víctor y después de dos temporadas en Madrid fue seleccionada por la Red Nacional de Salas Alternativas para el circuito nacional del 2015, con el que hizo una gira nacional de 15 funciones. En octubre del 2023 la reestrenamos en Surge y actualmente lleva 5 meses en cartel, con un público maravilloso que nos sigue llenando la sala con el boca a boca. Creo que es una experiencia muy divertida tanto para los actorxs que la hacemos como para los espectadorxs.
Me parece muy significativo que en el montaje se retrate a una compañía que monta algo comercial para tener éxito, aunque luego no lo tiene. En el mundo real, ¿llegar a solucionar esa ecuación es posible? ¿Es un buen punto de partida? ¿Conseguir el éxito es lo que da fuerzas para seguir trabajando?
En la propuesta de ficción es así, pero la realidad de nuestra compañía es totalmente la contraria, buscábamos experimentar un formato y resultó un éxito de público. Nuestro propósito no fue hacer una obra comercial , nosotras probamos hacer un experimento escénico en dos espacios simultáneos, trabajando dos géneros diferentes y la verdad es que no teníamos ni idea de cómo saldría.
Al crear una obra no pensamos en términos de audiencias, sí pensamos en términos de investigación, búsqueda de nuevos caminos, exploración de lenguajes y temáticas. Nuestro propósito no es hacer un éxito de taquilla, pero si buscando explorar un nuevo formato, lo encontramos, ¡esto nos hace muy felices!
Con esta obra, el experimento salió muy bien a nivel de público y gracias a ello, sin apoyo publicitario, seguimos en cartel. Pero, como bien sabes, no siempre fueron así de bien nuestros montajes. De cualquier forma, creo que el éxito en el panorama alternativo está en otros lugares diferentes, tiene que ver más con el riesgo, la honestidad con uno mismo y con la historia que estamos contando en cada momento y cada contexto, y sobre todo tiene que ver con hacer los trabajos en los que creemos y que de alguna manera nos acercan a replantearnos quienes somos, hacia donde vamos. Y esto es lo que a mí me motiva y me da fuerzas para seguir. ¡Luego si el público acompaña, bienvenido sea!
https://youtu.be/bCwYOX3kEJ0
¿En qué momento os encontráis como compañía, gestores de una sala de pequeño formato en Madrid y una escuela de interpretación y dirección, y como profesionales de las Artes Escénicas?
Estamos en un muy buen momento, en la programación de la sala estamos teniendo trabajos muy potentes y el público está respondiendo estupendamente. Después de 4 años que, como a todas las salas, fueron complicados, volvemos a llenar cada fin de semana en varias de las funciones.
Dentro de nuestro programa de apoyo a las compañías en cartel y al tener AZarte una línea de trabajo artístico y de formación tan ligada al cine, contamos con cámaras y camarógrafos, con los que ahora realizamos grabaciones profesionales de las obras de teatro con una doble finalidad: que las compañías se queden con sus obras grabadas en formato profesional para poder distribuirlas en otros teatros o festivales y obtener material para editarles un trailer que nos ayuda difundir sus trabajos y a aumentar los aforos. Creemos que esto, sumado a la calidad de las obras y a la digitalización de nuestras actividades, nos ayudó, tanto a la sala como a las compañías, a llegar a un público más amplio.
En cuanto al centro de formación, este año tenemos unos talleres de entrenamiento estables que son un verdadero lujo. Por un lado, tenemos los de teatro con directores como: Natalia Menéndez, Juan Carlos Fisher o José Carlos Plaza. Por otro lado, tenemos los entrenamientos regulares audiovisuales: el de Inés Pintor y Pablo Santidrián creadores de trabajos como El tiempo que te doy de Netflix, taller del que salieron varios cortos preciosos, el de Lino Escalera director de la maravillosa película No se decir adiós y de varias series, el de comedia en cine con Teresa Bellón y César F. Calvillo, dos de los directores con mejor pulso en este género que ahora tienen en cartel en cines Buscando a Coque. Y luego contamos con intensivos con directores como: Andrés Lima, Marta Pazos, Asghar Farhadi (que lo trajimos de Los Angeles para el taller) y Estíbaliz Urresola, entre muchos otros.
Otro proyecto que está teniendo una excelente acogida y busca apoyar a nuevas creadoras en sus comienzos artísticos y en la búsqueda de financiación, son las entrevistas en Streaming a directorxs con el objetivo de brindar herramientas para sacar adelante proyectos de teatro y cine. Lo que nos ilusiona de esta iniciativa es que no solo llega a las creadoras de nuestra comunidad, sino también a las de muchos otros sitios, gracias a que pueden verlas en nuestras redes o en el canal Yotube de Sala AZarte. En estos encuentros pueden conocer de primera mano la experiencia de importantes directores como: Natalia Menendez, Estívaliz Urresola (Ganadora de dos Goyas en el 2024), Lino Escalera (Ganador de un Goya), Julián Fuentes Reta (Ganador de dos Max), Juan Carlos Fisher, Teresa Bellón y César Calvillo, entre muchos otros que pronto se seguirán sumando a este precioso viaje.
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