"El amor es transformador, pero depende de nosotros que nos transforme a mejor o a peor"
Las Genuinas son una compañía de teatro de reciente formación creada por Victoria Cerrada, Amara Pedroso y Patricia Martí, que se presentan ante los espectadores con El Respiro, un texto de la propia Victoria que nos sitúa en el instante exacto en que dos personas saben que ya han dicho todo lo que había que decir.
La obra no propone víctimas ni verdugos sino que nos presenta a una pareja de personas imperfectas que creen estar enamoradas pero son incapaces de hacerlo bien.
El Respiro se estrena de forma absoluta en El Umbral de Primavera, y podrá verse los sábados 7, 14, 21 y 28 de noviembre.
Háblame un poco de ti. ¿Quién es Victoria Cerrada y de dónde viene tu amor por las Artes Escénicas?
Pues diría que soy la misma niña que creció en un hogar lleno de amor por el Arte, aunque nadie en mi familia fuese artista. Y desde que tengo uso de razón quise dedicarme a algo creativo pero hasta los 16 años no me atreví a decir en alto lo que pensaba tras años de hacer baile: quiero estar en el escenario pero como actriz. Creo que es un deseo que siempre tuve pero no quería verbalizar por si de alguna manera me decepcionase mi propio sueño. Aunque todos estos miedos desaparecieron después de mi primera clase de interpretación, con la maravillosa Anais Duperrein.
¿Siempre tuviste claro que las Artes escénicas eran el Plan A de tu vida?
Lo que siempre tuve claro es que no quería un plan B porque aunque mis padres me apoyasen desde el principio nunca me dejaron idealizar lo complicado que sería dedicarme a esto. Entonces decidí que mientras persiguiera este sueño haría lo que sea para mantenerme, pero sin alimentar otro camino porque siempre lo viviría como una vía de escape para momentos difíciles.
¿Dónde te formas como actriz y creadora?
Como actriz, me gusta explorar diferentes metodologías y ahondar en las que, en esa etapa de mi vida, más me resuenan. Ahora mismo estoy en un entrenamiento regular con Vanesa Rasero porque quería volver a un acercamiento más físico, ya que viniendo del baile es el lenguaje que más se siente en casa. Como creadora ha sido un proceso más intuitivo y autodidacta, en el que he consumido libros, podcast, entrevistas de creadores que admiro. Lo que me atrae de la creación es que cada proceso puede tener un nuevo acercamiento. Y cuando tengo el nuevo planteamiento que quiero descubrir ahí es hago la búsqueda de cómo lo hicieron otros antes que yo. Hay un profundo alivio en saber que nada es nuevo.
A pesar de tu juventud, ya has hecho cine, televisión, teatro… incluso has formado parte de la obra Una costilla sobre la mesa: Madre. ¿Cómo fue esta experiencia de trabajar con Angélica Liddell?
Fue absolutamente delirante. Es una de las primeras cosas que hice al llegar a Madrid. Solo pensar que por apuntarme en una página web a un casting anónimo haya acabado pisando el escenario de los Teatros Canal es algo que todavía no termino de procesar. Además, ver cómo el espectáculo cambiaba día a día pero nunca dejaba de estar vivo es algo que intento replicar en cada proyecto que hago. La experiencia y el riesgo por encima de la forma y de la comodidad.
Acabas de estar en el Festival de Sitges promocionando Upiro, la última película de Óscar Martín, de la que formas parte. ¿Cómo está siendo esta aventura de promocionar película?
Es un sueño hecho realidad. Puede sonar muy cliché, pero estar desayunando al lado de los directores que más admiras para unas horas, más tarde, estar presentando, ante uno de los públicos más emblemáticos del cine, una película como Upiro, hace que toda la lucha por dedicarse a ser artista cobre sentido. Sé que esto y lo de Angélica Liddell van a ser las anécdotas que cuente en bucle comida tras comida cuando sea una vieja chocha.
Esperemos que tengas muchas más anécdotas que contar (risas). Centrándonos en el teatro, que es lo que nos ocupa… ¿Cómo nace vuestra compañía, Las Genuinas?
Las Genuinas nace de tres mujeres juntándose en un bar para pasarse horas hablando sobre la vida y todas sus complicaciones, pero sobre todo para hablar de lo que nos une a las tres, que es el teatro. Compartimos una inquietud: cuál es el lugar que este arte puede ocupar en la actualidad y qué hace falta que pongamos sobre la mesa como creadoras para dar esa experiencia tan transformadora a otros. De manera más concreta, el tipo de teatro que buscamos hacer está en la intersección de nuestros tres universos. Algo contemporáneo y cercano al público.
¿Cómo vais a funcionar como compañía? ¿Vais a representar textos vuestros o estáis abiertas a propuestas de fuera?
Como compañía, queremos tener roles se vayan intercambiando. Es decir, que cada una pueda ser la directora o actriz o productora, según lo necesite el proyecto y con la posibilidad de siempre traer artistas de fuera, como en el caso de esta obra en la que actúa Jaime Gutierrez. Nuestra intención es crear un catálogo de obras con textos propios o propuestas de fuera en la que cada una se puede sentir realizada, además de tener la oportunidad de colaborar con otros compañeros.
¿Creéis que tener compañía propia es la mejor manera de moverse por el universo de las Artes Escénicas?
Tener compañía propia es tener la libertad de organizarse como una quiera. A pesar de todas las dificultades que representa llevar tu propia compañía, en nuestro caso ha sido la posibilidad de elegir qué tipo de artistas queremos ser y ganar independencia frente a lo que algunos pueden intentar definirnos como actrices.
¿Cómo veis la escena teatral independiente madrileña?
Sinceramente, es una de nuestras primeras fuentes de inspiración. No es que tengamos nada en contra de lo más establecido, pero la valentía y originalidad que tiene el teatro Off madrileño es único. Lo que preocupa es que haya muchísimas obras geniales que ‘desaparezcan’. En otros sitios el teatro independiente es celebrado y publicado como en Francia, que tienen la revista En Scène o como en Nueva York, donde tienen el Drama Book Store, la meca para descubrir textos de obras independientes.
Vuestro primer montaje como compañía es un texto tuyo, El Respiro. ¿De dónde te nace una historia como esta? Porque todo empieza con un pedo…
La historia nace de que por más que sea un sentimiento general, yo no entiendo lo de tirarse pedos delante de tu pareja. No tengo nada en contra de un pedo accidental, todos somos humanos. Pero a pesar de hablar de este tema con todos mis amigos, sigo sin entender cómo uno puede pensar que da gracia tirarse un pedo delante de alguien al que se supone que quieres. Ver lo que generaba este debate en la gente de mi alrededor fue lo que me hizo pensar que sería un muy buen punto de partida para revelar un conflicto oculto.
¿Y cuáles son los temas fundamentales que se abordan en El Respiro?
La obra explora la intimidad muy peculiar que existe en las relaciones románticas, y cómo esta puede ser extremadamente bélica, en algunos casos.
¿Quiénes son Bego y Julio, los dos personajes de la obra?
Son la típica pareja que desde fuera uno se pregunta qué tipo de alquimia mágica puede existir para que estos seres tan diferentes estén juntos, pero que a la vez es innegable que se quieren profundamente. Unos opuestos que sólo tienen en común lo tóxicos que pueden ser.
¿Cómo es la dramaturgia que habéis elaborado?
Para descubrir la arquitectura de esta relación, hemos creado otra capa de ficción para que una pareja sea testigo de ellos. Sin querer revelar demasiado, la obra se mueve de una historia a otra, revelando poco a poco su punto de vista. Utiliza lo cotidiano para retratar el estado de locura al que uno puede llegar cuando parece que el amor se acaba.
¿La escenografía minimalista es para darle todo el protagonismo a la palabra? A lo que se dice y a lo que no…
La escenografía es minimalista para enfatizar el corazón de la obra. Queremos que el foco esté en esos dos cuerpos que navegan la oscuridad de sus emociones mientras buscan la solución aquello que parece irremediable.
Y háblame un poco del trabajo de dirección de Patricia Martí. ¿Qué premisas os ha ido dando para poner en escena a la Bego y al Julio que tú tenías en la cabeza cuando los escribiste?
Patricia Martí nos conoce muy bien y sabe perfectamente qué tipo de actores somos. Para que no estemos tentados de ir a la forma o que estemos pendientes del montaje antes que de la verdad, nos ha hecho improvisar y descubrir las escenas desde la intuición de cómo son estos personajes. Se ha centrado en crearnos un mapa para transitar cada estado que viven estos personajes y después ha definido a qué se parece esto en un montaje escénico.
¿Cómo funcionan las escenas de Metaficción y los Flashbacks? ¿Qué le aportan a la obra?
No quiero hacer spoilers, así que solo diré que la metaficción y los flashbacks sirven para oxigenar la ficción, que retrata con toda la intensidad lo que es una ruptura. Como un ‘zoom out’ que revela la imagen total frente al detalle que veías al principio.
¿Cómo se sabe cuándo es el momento de romper una relación?
Muchas veces bastante después de cuando uno debería haberlo dejado.
¿Cuesta más dejar o que te dejen?
Las dos son duras, pero el dolor del desamor se vive en momentos diferentes. Cuando dejas, haces el luto mientras sigues dentro y la relación se convierte en una prisión. Cuando te dejan, sientes el abandono que genera ver al otro bien, como si te hubiesen dejado desamparado en una isla desierta.
¿El amor no siempre es suficiente para salvar una relación?
Creo que el amor en sí no es suficiente para salvar nada en la vida, especialmente las relaciones. Se puede querer mal y en esos casos hay que buscar las herramientas para aprender a hacerlo bien y eso es lo que puede salvar una relación.
¿Por qué muchas de las cosas que gustan al principio de conocer a una persona al final acaban por cansar? Esa locura que menciona él de ella.
Nuestra mayor virtud siempre suele ser nuestro mayor defecto. Por ejemplo, lo espontánea y vital que es ella al principio puede transformarse en lo inestable y volátil que es. Para mí, en la mayoría de los casos, no es tanto que el de enfrente cambie, sino que nuestra mirada ya no es la misma.
¿En una relación hay que medir todo lo que se dice y cómo se dice?
Creo que en una buena relación debería poderse decir todo, pero no de cualquier manera. El cuidado del otro empieza en entender lo que es capaz de escuchar frente a lo que uno necesita comunicar.
¿Todos los hombres compartimos un trazo inherente de gilipollez?
Sí… y lo vamos a dejar ahí (risas).
¿Qué significa una frase como: “Cuanto más me quieres, más te odio por hacerlo”?
Significa que hay veces que es más fácil culpar al otro por quedarse que hacer el trabajo para sentir que mereces ese amor.
¿Qué es para ti la codependencia para ti y qué implica para una relación?
Para mí, la codependencia es cuando las peores partes de dos personas son perfectamente compatibles. Es una especie de maldición premonitoria porque es casi imposible salir de estos patrones por mucho amor o buenas intenciones que pueda haber.
¿Al final todo en la obra va un poco de merecer el amor?
Sí, es un alegato en contra de la idea del amor incondicional. Para mí, el amor es transformador, pero depende de nosotros que nos transforme a mejor o a peor. Si no tiene condiciones pierde toda su magia. Lo bonito es que te elijan, día tras día, etapa tras etapa.
¿A veces es mejor terminar todo con silencio?
Sí. Un silencio revela lo que ocultan las palabras. Por eso adoramos cuando se comparten y son cómodos y se nos hacen eternos cuando son incómodos. Vuelven la verdad innegable.
