Yoska Lázaro: "Quería traer algo de Lima a escena, facilitar un intercambio cultural"
Yoska Lázaro es el director de Tres historias del mar, un texto de la reconocida dramaturga peruana Mariana de Althaus, protagonizado por Lezu Merino, Almendra Calle y Luciana del Carmen, tres actrices también peruanas.
Yoska, un español que ha pasado la mitad de su vida en Latinoamérica, nos ofrece la posibilidad de disfrutar y conocer un poco mejor el teatro peruano mediante una obra que nos invita a cuestionar los roles familiares y el peso de la herencia emocional.
Podrá verse en Bululú 2120 los domingos de octubre.
¿Cómo nace este proyecto de representar esta obra en Madrid?
Tres historias del mar nace como deseo por parte de Lezu Merino, una de las actrices. Ella conocía la obra porque había trabajado una escena en un taller de actuación. Había llegado a Madrid hacía poco y pensó que era una buena obra para hacer aquí. Me lo comentó y me preguntó si quería dirigirla. La leí y me gustó mucho la idea de hacerla pero le sugerí que la hiciéramos con un elenco íntegramente peruano. Una obra tan conocida en Perú es una invitación a traer un poco de Perú a Madrid. Me pareció una propuesta que trae un poquito de cultura limeña a Madrid y una excusa de encuentro con la comunidad peruana, más allá del público en general.
Cuéntame un poco más sobre esta idea…
Yo soy un español que vivió 21 años en Argentina. Mi identidad está mixtada por ambos países. Mi educación artística se ha forjado principalmente en Argentina y estoy muy agradecido por ello. El teatro es una ceremonia. Es un lugar al que concurrimos a presenciar una narración escénica. El teatro es una experiencia personal intransferible, pero comunitaria. Hay un sentir propio, pero también un estado colectivo que interpela la individualidad cuando estamos espectando. En una ciudad tan cosmopolita como es Madrid, con una comunidad latinoamericana tan presente, donde convivimos y crecemos en éste diálogo de culturas, hacer un espectáculo que nos permita conocer, un poquito más, al extranjero, al otro, revaloriza la experiencia al que mira y permite a quienes hacen, expresar su ser, su cultura, su tradición y abrir ‘su casa’ para poder conocernos más y salgamos enriquecidos del encuentro. Traer un poquito de Lima, de peruanidad a escena, traer éste texto tan bello de Mariana de Althaus, facilitar un intercambio cultural, más allá de una obra. Y traer algo de ‘su tierra’ a los peruanos y peruanas que viven en Madrid.
¿Sientes que los puentes de Madrid con el Teatro Latinoamericano son fuertes, hay un buen canal de comunicación o todavía hay cierto desconocimiento?
El teatro argentino y sus hacedores han tenido presencia en Madrid y Barcelona desde hace tiempo. Tanto con maestros de la actuación como Juan Carlos Corazza o Cristina Rota, como con obras y actores y actrices argentinos, la teatralidad española ha sido muy influenciada. No sucede lo mismo con otros países Latinoamericanos, cuya teatralidad es bastante desconocida para España. Cada vez podemos ir conociendo algo más de lo que se hace allí, pero aún tenemos mucho por recorrer y por compartir.
¿Qué diferencia encuentras entre la escena teatral independiente madrileña o la de Buenos Aires o Lima?
Creo que en Buenos Aires hay una necesidad imperiosa por actuar. Los medios de producción suelen ser precarios pero las ganas, el deseo y el enorme talento que hay hace que surjan espectáculos muy interesantes con diversas estéticas. Hay una búsqueda, un cuestionamiento sobre la actuación y la construcción del relato escénico que me fascina. El teatro argentino busca siempre su expresión singular poniendo de su bolsillo dinero que muchas veces no se tiene para poder hacer teatro. Hay hambre de teatro, de actuación. Yo he vuelto a Madrid en Enero, desde entonces, me he encontrado salas independientes y comerciales abarrotadas y un deseo de actuar y de aprender que me encanta. Veo actores y actrices que me convocan mucho y que quisiera haberlos conocido antes para haberlos disfrutado en otros espectáculos.
Hoy, el teatro en Madrid me interesa mucho y creo que tengo cosas para aportar y hay muchas cosas para aprender. Emprender este desafío de volver a España tras 21 años en Buenos Aires con una escuela propia allí, múltiples obras y trabajos como actor, es algo que me encanta porque me obliga a tener que hacerme conocer y poder compartir todo lo aprendido estos años en los diversos países de Sudamérica en los que trabajé.
Y para quién no la conozca por aquí, ¿qué dimensión tiene la obra de Mariana de Althaus en Latinoamérica?
Mariana de Althaus es una figura clave del teatro latinoamericano, destacada por su innovación estética y su enfoque crítico sobre temas como la identidad, la maternidad, el trauma y la memoria. Su obra ha trascendido las fronteras de Perú, convirtiéndola en una influencia central para la reconfiguración del teatro en la región.
¿Qué destacarías de su escritura?
Su capacidad para fusionar lo personal con lo colectivo creando relatos profundamente humanos. Sus personajes manifiestan su intimidad psicológica, poniendo en primer plano su vulnerabilidad y cómo atraviesan esos conflictos. Me gusta la fragmentación de la estructura en algunas de sus obras. También que su teatro aparentemente sencillo en superficie, está cargado de situaciones que ponen en jaque el propio devenir del personaje y lo lleva a un cuestionamiento profundo. Mariana de Althaus hace que reflexionemos sobre nuestra sociedad, nuestras decisiones y determinaciones a través de su teatro, cuestionando lo aparentemente cotidiano.
¿Qué te ha atraído de Tres historias del mar para hacer tu propia adaptación teatral y no otro de sus textos?
Cuando Lezu Merino me habló de sus ganas de hacer esta obra la leí y me gustó mucho, pero sobre todo, lo que más me convenció, fueron las ganas de Lezu de hacerla y el elenco que, posteriormente, se configuró. Ha sido un trabajo muy divertido.
¿Cuáles son los temas que se abordan en la obra?
El texto habla sobre la maternidad ausente, la hermandad, el perdón, la memoria y como cada uno hace lo que puede frente a un hecho traumático.
Es una obra que plantea ciertas cuestiones éticas o disyuntivas muy personales que harán que cada espectador/a piense sobre las determinadas situaciones que se plantea en la obra, ¿no? Sobre todo en cuanto a las prioridades vitales de una mujer…
Por suerte, cada vez más, se desdibujan ciertos mandatos como el de la maternidad. Aunque la sociedad sigue juzgando a la mujer, hay una mayor conciencia y respeto sobre la libre determinación de ser o no madre.
¿El rol materno debe ser sinónimo de sacrificio o puede limitar la autonomía femenina?
El rol materno y paterno debe ser equilibrado en funciones tanto en la crianza de hijos e hijas como en el trabajo dentro y fuera del hogar. Claramente, en edades tempranas, las necesidades del bebé limitan acciones de padre y madre como es esperable. Fuera de eso, hay que dejar de imponerle a la maternidad un sacrificio extra por su rol de mujer. Y aunque esto cada vez lo tengamos más presente, la sociedad sigue exigiendo cosas a la madre que no le exige al padre. Todos tenemos que estar atentos a no repetir mandatos sexistas.
He podido leer el texto y los diálogos pueden tener un ritmo determinado según cómo lo lea cada persona. ¿Cuál es el ritmo que le habéis imprimido vosotros?
La dirección tiene que tener presente las actrices o actores con los que cuenta. Tengo muy claro que una obra de teatro es para un espectador o espectadora, y que tengo que conseguir que estén atentos y atrapados con la historia. Para ello, la puesta juega con el humor, la intensidad y también el silencio. Hay cosas que se dicen y que pasan, que deben ser escuchadas y necesitan que decanten en quien especta. Hay que darle tiempo al espectador para eso. Ahí tenemos que saber detener la progresión para profundizar en el mensaje sin que la situación deje de avanzar.
¿Y cómo ha sido ese proceso de trabajo para darle la forma a la obra que tenías en la cabeza?
Como todo proceso creativo: a base de prueba y error. Y leyendo el propio relato que los cuerpos de las actrices proponen en escena. Toda especulación previa se deshace cuando la escena, lo que está sucediendo, empieza a tener su propio pulso. Ahí empieza el bello diálogo entre el acontecimiento y la planificación de dirección. De ese diálogo y de lo que irá surgiendo, acontece la puesta. El rol de la actriz es de co-creadora de la puesta, debe proponer, debe buscar, investigar, replantearse y descubrir, aún cuando ya está en funciones. La puesta está viva y los personajes siguen conformándose con cada encuentro escénico, tanto en función como ensayo. Ha sido sencillo con las actrices por su predisposición. Nos entendimos muy pronto y encontramos un relato común.
¿Cómo es la puesta en escena que habéis elaborado?
Mi teatro es un teatro de actores y actrices. Mi trabajo es que la puesta esté hecha de tal forma, que la actuación honesta en su máxima expresión de aquí y ahora, acontezca. Para mí, un buen trabajo de dirección y puesta en escena, es cuando elogian el trabajo de las actrices. Si hay algo que llama la atención más que eso me preocupa. Disfruto de las actuaciones y tengo la dicha de que siempre han sido elogiadas en mis puestas. Por tanto, la puesta está centrada en las actuaciones sencillas, no pretenciosas, pero vulnerables.
También, dentro del tono dramático del texto hay mucho humor ácido o cáustico. ¿Habéis jugado con él? ¿Lo habéis potenciado o lo habéis dejado de forma más sutil?
La puesta está atravesada por un humor muy propio. Me divierte enormemente las fugas cómicas que puede haber en toda situación solemne. La obra permite esos escapes y el público los agradece y se divierte mucho.
¿Está bien contarse historias siempre y cuando sepas que se trata de una ficción desde el inicio?
La narración, la historia, el cuento, son propios de lo humano, de su necesidad de comunicarse y comunicar lo antecedido. Por otro lado, el relato sabemos que se organiza desde los medios de comunicación difuminando los límites entre realidad y ficción según convenga al discurso o a los intereses propios.
A su vez nosotros somos contadores de historias. Como dramaturgo y actor soy contador de historias. Y ahí el límite entre realidad y ficción también se desdibuja en los procedimiento actorales y artísticos para una puesta en escena. Un problema que trae el realismo en la actuación, con determinadas técnicas, es que hacen creer al actor que lo que hace debe ser real, cuando lo importante es que es una ficción. Nosotros, los teatristas y actores, contamos una ficción de la forma más honesta posible, no realmente. Es ficción. Ahí sí me parece que es importante saber que estamos contando una historia y que es ficción desde el principio. Eso evitará situaciones traumáticas a las que se ven expuestos actores y actrices en búsqueda de una inútil realidad que desnaturaliza la constitución ficcional de toda representación.
Este es el caso, el de la actuación y sus procedimientos, donde es importante recordar que es un historia, una ficción.
¿Los álbumes familiares huelen a muerte?
La nostalgia, el pasado, lo que fuimos, lo que ya no somos, lo que creemos que seguimos siendo, los que están, los que no… Todo eso está en un álbum. Seguramente, hay sueños, ilusiones o fantasías que no están más o que no se alcanzaron. Un álbum es la captura de un ayer que traigo y que nunca sé cómo me va a encontrar hoy. Hay un sentir por lo que fue que suele nublar lo que hay o que romantiza un pasado y nos pone frente a lo que ahora somos. No siempre nos coge fuertes. No, no debe ser específicamente, olor a muerte.
¿Soñar cosas imposibles es la forma más inútil de vivir?
Ojalá que no dejemos de soñar. Lo imposible es lo que no se intenta. Y prefiero un soñador a los despiertos sin pasión.
¿Cómo de fácil es perdonar? ¿Sentir rencor no te deja vivir en paz?
Depende de cada quién. Hay gente que perdona fácil y otros no tanto. A mí, cuando me hacen alguna, reconozco que me cuesta perdonar. Pero creo que vivir sin rencor es a lo que todos deberíamos aspirar para vivir mejor. De la misma forma que creo que uno debe permitírselo porque es lo que está pasando, pero tratar de no quedarse enredado en ese rencor.
¿Es posible encontrar la paz entre las olas del pasado?
Creo que sí, dependiendo de cuán grandes son esas olas. Gracias al pasado, hoy somos lo que somos, para bien y para no tan bien. El pasado nos constituye y nos ayudó a aprender. Pero también sé que hay pasados que duelen y uno tiene todo el derecho a estar herido. La idea de que hay que soltar es muy ‘new age’ pero no siempre es fácil ni se termina de saber qué es eso de soltar y cómo se hace. Cada uno hace lo que puede. No hay que invalidar lo que a uno o una le pasa porque la sociedad nos obligue a seguir adelante, o a disimular con una foto sonriente en instagram.
¿Morir mirando al mar es la mejor manera de hacerlo?
No quiero comprobarlo.
