"Estamos viviendo una regresión feroz, casi una monstruosidad nueva cada día. Y eso te atraviesa"
Puede que su nombre no haya trascendido fuera del mundo de la danza con la misma celebridad que el de otros nombres del país, pero lo cierto es que Marina Mascarell es una de las coreógrafas más reconocidas en el panorama europeo. Sus obras se han visto en compañías como el Ballet de Gotemburgo, el de la Ópera de Lyon y el Nederlands Dans Theater. Ahora, como directora de la Danish Dance Company, importante compañía con sede en Copenhague, visita la capital con una pieza que dice encontrarse "entre la celebración y el abismo". Es decir, como esa realidad que vivimos.
La coreógrafa Marina Mascarell (Oliva, Valencia, 1980) atiende a este medio desde Barcelona. Allí se encuentra con la compañía que dirige desde 2023, la Danish Dance Theatre, que del 9 al 11 de abril, bailará en el Centro de Danza Matadero. En Barcelona, programada dentro del festival Dansa Metropolitana, el colectivo danés también ha mostrado Mongrel, una obra con sello de Mascarell, estrenada hace años con el Ballet de la Ópera de Gutemburgo. En Madrid, se verá Bloody Moon, primera creación de la coreógrafa para la Danish Dance Theatre.
Ambas piezas recogen algunos de los principios del discurso de Mascarell. Por ejemplo, y a un nivel discursivo, la preocupación de la creadora por el rumbo social al que se ha subido gran parte de la humanidad. Si en Mongrel se explora la opresión del más fuerte y el pensamiento ‘de rebaño’ de la sociedad occidental, en Bloody Moon, se acaba situando a ese colectivo al borde del abismo. “Es un grupo de personas que entra a darlo todo porque sabe que desaparecerá. Se da esa tensión entre la celebración y el abismo. Se acercan al precipicio y posiblemente, salten”, explica la coreógrafa. La obra, parte de ese concepto filosófico del erotismo de George Batille, quien lo definió como una especie de afirmación de la vida, no exenta de sufrimiento, transgrediendo tabúes, hasta que llegue la muerte. El erotismo como posicionamiento vital y revolucionario.
¿Qué le atrajo especialmente de este concepto de erotismo vital?
Para mí, el erotismo, en una visión amplia que trasciende lo sexual, se encuentra en la complejidad de las cosas, en la indagación y las profundidades. Y lo de escudriñar en el erotismo tiene que ver con enfrentarlo a esa simpleza pornográfica de la comunicación que se puede llegar a dar en este momento vital y social.
En este sentido, ¿cómo se desarrolla en escena este erotismo amplificado?
Para Batille el erotismo no era solo sensualidad. Tenía que ver más con la ruptura de las fronteras entre individuos y caminar hacia una comunicación más profunda. Entre elles y con el mundo. Romper el aislamiento del individualismo. En Bloody Moon, todo esto aparece a través del cuerpo de les 10 bailarines, con una energía y fuerzas muy físicas.
Suena a radiografía de lo que estamos viviendo socialmente, algo casi apocalíptico…
Me interesaba poner los cuerpos entrenados, con técnica muy exigente, en una intensidad máxima. Situarlos en ese extremo en el que las imágenes son apocalípticas, aunque no desde el fatalismo, sino desde un punto de desbordamiento. Me interesa la transición entre la celebración, lo festivo, y el precipicio. Es un viaje, un exceso físico, musical, técnico… Ese sufrimiento corporal que Batille asociaba al erotismo, está muy presente en la obra (el filósofo sufrió de sífilis).
¿Cómo afecta a sus creaciones y a su vida como ciudadana, lo que está ocurriendo a nivel social y político? ¿Cómo afecta a la creación, a los cuerpos…?
Cuando esta obra se estrenó en 2024, muches artistes ya vivíamos con la sensación de que socialmente algo iba hacia atrás, sobre todo con el auge de los fascismos. Pensé que el COVID que sufrimos a nivel mundial, llegó para enseñarnos otras cosas como humanidad, pero está claro que no. Estamos viviendo una regresión feroz, casi una monstruosidad nueva cada día. Y eso te atraviesa, como ciudadane, artiste… no se puede escapar.
¿Cree que es algo que se está reflejando en la escena con algunas creaciones de danza?
Sí. Yo pertenezco a una generación de artistes y espectadores, acostumbrades a la experimentación, a la búsqueda real… Siento que en estos momentos y en muchos trabajos (no hablo por todos) se busca la emoción rápida y eso, suele llevar consigo cierta simplicidad. En Bloody Moon, esta reflexión también está. Conscientemente, la pongo en escena para cuestionar esto. Para trabajar y mostrar esta reflexión desde la prueba, la experimentación misma.
No hace mucho, une compañere de profesión me dijo algo muy cierto, que no se me olvida: “the ballet is the new contemporary, and the contemporary is the new commercial” (el ballet es lo contemporáneo y lo contemporáneo es lo comercial). Tal vez sea por la necesidad que surgió después del COVID de volver a llenar de público los teatros y ha tenido un impacto mayor con lo que pasa últimamente. Juego con todo ese exceso escénico de lo rápido en la obra para cuestionarlo.
Al entrar en la web de la Danish Dance Conmpany aparece una frase suya: “No creo que el arte pueda cambiar el mundo, pero puede servir para comprenderlo mejor”…
Así es. Y cuando se termina de ver Bloody Moon, creo que se puede identificar todo esto que estamos hablando, pero no quiero hacer spoiler (sonríe).
¿Cómo fue su llegada a la dirección de la Danish Dance Company en 2023?
Abrieron convoctoria, y aunque yo no iba buscando nada en ese momento, una amiga me la mandó y me dijo: “Marina, lo que buscan es tu perfil”. Entonces me lo planteé como un aprendizaje, que sería bueno pasar por todo el proceso. Tomarlo como una nueva experiencia. Empecé a escribir el proyecto y, de repente, ya no podía pensar ni hacer otra cosa.
Fue un proceso duro y largo. Pasé por cuatro o cinco entrevistas durante tres meses. Incluso con psicólogues. Y lo entiendo, al fin y al cabo se trata de saber quién eres, quién será la persona que esté al frente de la compañía y conviva y se relacione a diario con el equipo. Muy escandinavo, cuidando el proceso y a las personas.
Usted ha bailado muchos años en compañías internacionales grandes y de reconocimiento, ¿hay algo que siempre pensó, como “si yo fuera la directora haría esto o lo otro”, y que esté desarrollando y aplicando ahora al frente de la Danish?
Así es. Mi proyecto pone en valor la identidad de les bailarines. Por ejemplo, las compañías hacen audiciones. Pero habitualmente la cosa no se termina ahí. Después de entrar en la agrupación, tienes que gustarle al coreógrafe. Y si no eres elegide, empiezas a preguntarte, de manera inevitable, por qué esta persona sí y tú u otra, no. Aquí, en la Danish Dance Theatre, una vez les bailarines entran mediante audición, no vuelve a haber más cuestionamientos. Y la idea que se trabaja no es la de que como bailarine tienes que decir o pensar, sentir, “gracias, coreógrafe tal, por estar en el trabajo”. El agradecimiento debe ser el de les coreógrafes por poder trabajar con les bailarines.
En todas las obras que tenemos ahora en marcha, bailan todos les bailarines y siento que estamos creciendo de una manera muy bonita. Son diferentes, hay diversidad, igualdad y sin protagonistas. Así que esa frustración que se puede generar a veces, en otras grandes compañías, aquí no tiene lugar. La siento como una verdadera familia real y poética.
