Foto portada: Punk. Nora Chiapumire. Nora_Grace Jones
La Casa Encendida de Fundación Montemadrid presenta ÍDEM 2019, el Festival Internacional de Artes Escénicas que, en su séptima edición, presenta el trabajo de artistas provenientes de Zimbabue, Jamaica, Nueva York, Líbano, Palestina, Suiza, Italia y España, y que coinciden en su marcado activismo y en un compromiso con los conflictos de este tiempo.
A través de múltiples disciplinas como la performance, la instalación, el documental escénico, la radio, el cine, la exposición fotográfica o el taller de investigación, durante dos semanas se tratarán temáticas como la justicia y economía geopolítica, la colonización y descolonización, el asilo político, la enfermedad mental, la diversidad, la inclusión, etc.
La icónica coreógrafa africana afincada en Nueva York, Nora Chipaumire, ofrecerá un encuentro y presentará #PUNK, un espectáculo de danza contemporánea lleno de energía que trata sobre la identidad y que, animado por el carácter contracultural del movimiento punk, lucha contra los estereotipos africanos a través de la danza, la voz, el texto y la música.
ÍDEM presenta también el estreno de la instalación poética As Far As My Fingertips Take de la libanesa Tania El Khoury, ejecutada por el músico y artista Basel Zaraa, nacido como refugiado palestino en Siria. A través de un muro se encontrarán un miembro del público y el artista. Los brazos de ambos se tocarán sin verse. Basel marcará a la persona asistente dibujando en su brazo paisajes de su vida mientras, a la vez, escucha el relato de quienes han tenido que enfrentarse a la discriminación en la frontera.
Bárbara Bañuelos presentará Mi padre no era un famoso escritor ruso, un documental escénico sobre cuerpo y sufrimiento mental. Y, en el apartado audiovisual, se podrán ver también los últimos largometrajes documentales de Milo Rau y Pippo Delbono. El primero, The Congo Tribunal, se centra en la guerra en el Congo y en cómo los intereses económicos afectan a su población local. En Vangelo, Pippo Delbono muestra el sufrimiento que viven las personas refugiadas al atravesar el mar Mediterráneo. ÍDEM también mostrará una selección de los cortos premiados en el festival FIVER y BAC Madrid #0.
La programación de esta edición de ÍDEM se completará con un taller inclusivo de creación coreográfica con Jordi Cortés y Esteban Grucci y con las exposiciones de Rafael Díaz y Alberto de Torres.
Desde su apertura, La Casa Encendida ha mantenido un fuerte compromiso con la visibilización de la diversidad y la eliminación de barreras a través de su programación. Durante 10 ediciones, el Festival de Artes Escénicas y Discapacidad contribuyó a la expansión y la profesionalización de artistas y creadores con diversidad funcional o de colectivos en riesgo de exclusión. La evolución de la propia sociedad y las demandas de una ciudadanía cada vez más concienciada, exigente y comprometida, hicieron necesarios nuevos matices y la apertura a nuevas disciplinas y a otros ámbitos de exclusión social. Así nació ÍDEM que este año celebra su séptima edición comisariado por Marisa Lull.
PROGRAMA
Encuentro. 10 de septiembre a las 19 h. Nora Chiapurre + O&A.
Con motivo de su participación en el Festival Internacional de Artes Escénicas ÍDEM 2019 con el espectáculo #PUNK, Nora Chipaumire participará en un encuentro en el que los asistentes podrán reflexionar junto a ella en su lucha contra los estereotipos africanos desde la danza en los últimos veinte años, y sobre cómo también ha jugado de manera ambigua con estos estereotipos, con el fin de cuestionar e investigar desde los diversos ángulos del cuerpo del performer racializado, así como su relación con el arte y la estética.
Nora Chipaumire, nacida en Mutare (Zimbabue) y con sede en Nueva York desde que comenzó a bailar en 1998, está actualmente de gira con #PUNK 100% POP * NIGGA (verbalizado como hashtag punk, cien por cien pop, star nigga), un álbum de tres partes con presentación en vivo que tuvo su estreno mundial completo en octubre de 2018 en The Kitchen (Nueva York). Su trabajo incluye un proyecto que sigue desarrollando sobre el libro digital Nhaka, en el que reúne teoría, tecnología, práctica y proceso de su trabajo artístico. En 2018, Chipaumire ha sido becada en el museo Guggenheim de Nueva York, es tres veces ganadora del Bessie-Award y es, además, artista homenajeada de BAC –Bienal de las Artes del Cuerpo, Imagen y Movimiento de Madrid (2019-2021).
Escénicas. 11 y 12 de septiembre a las 22h. #PUNK, de Nora Chipaumire
#PUNK es un espectáculo de danza contemporánea lleno de energía que trata sobre la identidad y que, animado por el carácter contracultural del movimiento punk, lucha contra los estereotipos africanos. El Punk es un género musical que surgió a mediados de los setenta caracterizado como un rock con sonidos poco controlados, ruidosos y tempos rápidos. La estética cultural punk está marcada por un conjunto de ideologías y formas de vida (la autosuficiencia, la creación de arte no comercial, la reutilización, etc.) que también se materializan a través de la moda, el arte visual, la danza, el cine y la literatura.
#PUNK forma parte del tríptico #PUNK 100% POP *NIGGA que confronta y celebra los cuerpos y la estética de mujeres icónicas: Patti Smith (#PUNK), Grace Jones (100% POP) y Rit Nzele (*NIGGA). En su icónica canción, Rock ‘n’ Roll Nigger, Patti Smith declara: «No he jodido mucho con el pasado, pero sí con el futuro». Alentada por esta atrevida proclamación, Chipaumire se declara «Negra Africana», la persona que jode con el pasado, y que lo hace aún más con el presente.
Audiovisuales. 13 y 14 de septiembre. The Congo Tribunal, de Milo Rau. Alemania/Suiza, 2017. 100’. VOSE. Viernes 13 septiembre: 18h30. Sábado 14 septiembre: 20h
Milo Rau crea un retrato sobre una de guerras económicas más sangrientas en este documental en el que logró reunir a víctimas, verdugos, observadores y analistas del conflicto para un tribunal civil único en el este del Congo. La proyección del día 13 de septiembre estará seguida por un coloquio entre Itziar Ruiz Jiménez y Mbuyi Kabunda.
La guerra en el Congo ha causado más de seis millones de muertes en los últimos veinte años. La población sigue sufriendo pero los delincuentes permanecen impunes. Este conflicto supone una de las batallas cruciales dentro de la distribución económica de la globalización, ya que el país posee los depósitos más importantes de muchas de las materias primas usadas en la alta tecnología.
Milo Rau (Berna, Suiza, 1977) es un director y autor suizo. Estudió sociología, lengua y literatura alemana y románica en París, Berlín y Zúrich con Pierre Bourdieu y Tzvetan Todorov, entre otros. Desde 2002, ha publicado más de 50 obras de teatro, películas, libros y acciones. Sus producciones han aparecido en los principales festivales internacionales, incluyendo el Berlin Theatertreffen, el Festival de Aviñón, la Bienal de Teatro de Venecia, el Wiener Festwochen y el Brussels Kunsten Festival. Rau ha recibido muchos premios, más recientemente el premio Peter-Weiss 2017, el 3sat-Prize 2017, el Saarbrucken Poetry Conference 2017 para Drama y, en 2016, el prestigioso Premio ITI del Día Mundial del Teatro, del cual es el ganador más joven, siguiendo a artistas como Frank Castorf, Pina Bausch, George Tabori, Heiner Goebbels y Christoph Marthaler. En 2016, Five Easy Pieces se convirtió en la primera producción no belga seleccionada para el Premio Especial del Jurado de los Críticos de Teatro Belga, y también fue invitado al Berlin Theatretreffen 2017. Milo Rau asumió la dirección del Teatro Nacional de Gante en la temporada 2018/19.
Itziar Ruiz Jimenez es Licenciada en Derecho y Ciencia Política. Profesora de Relaciones Internacionales y directora del Máster en Relaciones Internacionales y Estudios africanos de la Universidad Autónoma de Madrid.
Mbuyi Kabunda es Doctor en Ciencia Política por la Universidad Complutense de Madrid. Licenciado en Ciencias Políticas y Relaciones Internacionales por la Universidad de Lubumbashi (RDC). Miembro y profesor del Instituto Internacional de Derechos Humanos de Estrasburgo.
Encuentro. 13, 14 y 15 de septiembre. As Far As My Fingers Take Me, de Tania El Khoury. 13 septiembre: 19h 14 y 15 septiembre: 12h / 18h
Se trata de un encuentro a través de un muro entre una persona de la audiencia y una persona refugiada. Los brazos de ambos se tocan sin verse. El artista marca a la audiencia dibujando en su brazo. El público escucha a quienes han tenido que enfrentarse a la discriminación en la frontera. La marca se puede guardar o lavar.
Tania El Khoury encargó al músico y artista Basel Zaraa —nacido como refugiado palestino en Siria— una canción de rap inspirada en el viaje que sus hermanas hicieron desde Damasco a Suecia. A través del tacto y el sonido, este encuentro íntimo explora la empatía y la necesidad de ‘sentir’ a una persona refugiada para comprender el efecto de la discriminación fronteriza en la vida de los seres humanos.
Las yemas de nuestros dedos facilitan el tacto y las sensaciones, pero también son utilizadas por las autoridades para rastrearnos. El Reglamento de Dublín puso en marcha en toda Europa una base de datos de huellas digitales para todas las personas migrantes, solicitantes de asilo y refugio. Esto a menudo se traduce en el traslado forzado de estas personas al lugar en el que por primera vez se registraron las yemas de sus dedos, sin tener en cuenta sus necesidades, deseos o planes.
Tania El Khoury es una artista cuyo trabajo se centra en la interacción con el público y en el potencial ético y político de estos encuentros. Su trabajo ha recorrido todos los continentes y se ha mostrado en espacios que van desde museos hasta teleféricos. Recibió el Premio Internacional de Arte en Vivo 2017, el Premio Total de Innovación Teatral y el Premio Arches Brick 2011. Tania está asociada a Forest Fringe en el Reino Unido y es cofundadora de Dictaphone Group (con sede en Beirut), un colectivo de investigación que crea actuaciones que cuestionan nuestra relación con la ciudad y redefinen su espacio público. Tiene un doctorado en estudios teatrales de Royal Holloway (University of London).
Basel Zaraa es un artista de spoken word y percusionista que escribe sobre exilio y resistencia. Ha colaborado con artistas como Akala, el proyecto juvenil Guildhall (Im), el grupo de hip-hop palestino Katibeh Khamseh, la banda de fusión árabe Raast o la banda de funk Shokunin. Forma parte del elenco de la sátira Borderline de PsycheDELIGHT sobre el campamento de Calais, en el que interpreta música original y efectos de sonido. También es un artista de grafiti.
Radio. 14 de septiembre a las 12h. Programa con Radio Nikosia, coordinado por Bárbara Bañuelos
Durante el Festival ÍDEM, se realizará una acción expandida en colaboración con Radio Nikosia y Bárbara Bañuelos dentro del proyecto Mi padre no era un famoso escritor ruso, sobre cuerpo y sufrimiento mental. Miembros de Radio Nikosia hablarán con las y los creadores, visitarán los espacios de representación, verán sus trabajos, charlarán con el público y, como resultado de este diálogo con el festival, realizarán una emisión especial donde compartirán al aire todas las reflexiones, experiencias, encuentros y universos que habitan el festival. Desde otros modos de hacer y otras maneras de estar.
Radio Nikosia es una de las primeras emisoras realizadas por personas que se relacionan con el sufrimiento mental. Nikosia es un umbral, una plaza íntima, una experiencia, un nuevo territorio de escucha y participación social para y con personas afectadas. Es una emisora transversal realizada por personas que se reúnen para dar forma a ese intento de hablar de la locura desde la voz que la sufre. Que busca comunicar y comunicarse como una estrategia en pos de de-construir las bases del propio sufrimiento. Un lugar que crea una mirada lateral sobre la locura y busca vías alternativas para des-hacer el estigma. Su base es la utilización de la radio y otros medios de comunicación como espacios de expresión, intervención y visibilización social, pero a la vez explora otras vías como la del arte, la poesía, la literatura y el pensamiento en general, como formas de ‘decir’ y actuar socialmente.
La emisión del programa se podrá escuchar en directo en el Facebook Live de Radio Nikosia (radionikosia.org).
Curso. 17 al 20 de septiembre. Martes a viernes de 10h – 14h. Cuerpo a cuerpo 2.0. Dos turnos: Audiovisuales y Escénicas
Cuerpo a cuerpo 2.0 es un taller inclusivo de creación coreográfica y realización de danza audiovisual para participantes con y sin diversidad funcional y cognitiva que tengan experiencia previa en el mundo de la performance o audiovisual y que tengan interés en la danza, el teatro y, en general, las artes del movimiento, tanto en formato escénico como audiovisual.
En el área coreográfica, a cargo de Jordi Cortés, pionero en Cataluña en llevar la danza a colectivos con diversidad funcional desde hace más de 10 años, se trabajará sobre la escucha y la colaboración, la improvisación y la intuición. Se destacarán la importancia de la diversidad en los grupos y las potentes dinámicas que se crean cuando se ponen en valor las múltiples capacidades. En el área audiovisual Esteban Crucci, director de MiTS festival de Movimiento y Transformación Social y diseñador de imagen y sonido, buscará abrir la mirada y enfocar hacia el cuerpo y el material coreografiado, transitando por los elementos del lenguaje audiovisual aplicados a la disciplina de la danza. Conocer el vínculo cámara/cuerpo que conlleva un nuevo concepto espacio/tiempo. No se trata de grabar una coreografía de manera lineal. La cámara ayuda a investigar el movimiento, de forma diversa, e integrando cuerpos diversos.
Audiovisuales. 18 de septiembre a las 20h. Selección ÍDEM de cortos premiados en festival FIVER y BAC Madrid #0
El festival ÍDEM selecciona una serie de cortos que han sido premiados en varias de las ediciones del festival FIVER así como en el primer programa realizado por el proyecto sobre artes del movimiento, del cuerpo y de la imagen BAC Madrid #0.
Fuego lento, de Elena Castilla. España, 2014. 15’17” Premio Documental/ Premios Fiver 2015. ¿Puede la danza tener un efecto motivador en un grupo de jovenes que residen en un centro de menores?, ¿puede un taller de creación coreográfica servir para que las y los alumnos expresen sus emociones?
Four Solos in the wind, de Ray Jacobs. GB, 2016. 4’31”Premio Creación/ Premios Fiver 2017. Cuatro artistas que trabajan con sus discapacidades (Graham Busby, Mervyn Bradley, Erika Juniper y Andrew Kelly) pasaron dos semanas en un bosque salvaje en Pembrokeshire, explorando y respondiendo al paisaje. A partir de esta experiencia hicieron cuatro poderosos solos de danza que fueron capturados por Ray Jacobs. Aquí se presentan uno de los cortos que conforman este cuarteto.
Kleine, de Santiago Correa. Chile, 2014. 5’52” Premios Creación/ Fiver 2015 Awards. Vídeo inspirado en la enfermedad de Kleine Levin o síndrome de la Bella Durmiente.
Vanitas, de Vinícius Cardoso. Brasil, 2017. 6’ Premio del público & premio creación/ Fiver 2018. En su infierno, Bosch estaba condenada a mirar su propio reflejo. Siempre. Condenada por su vanidad, ella es vanidad. Reflexionar sobre la muerte es, paradójicamente, reflexionar sobre la vida y las tentaciones.
Riot, de Frank Ternier. Francia, 2017. 14’ Mejor película experimental/Fiver 2018. Un joven negro es asesinado durante un altercado con un vecino vigilante y la policía. Una multitud indignada se reúne. Hay un gran sentimiento de injusticia. Un grupo se aísla a sí mismo. La emoción engendra el motín. En ausencia de palabras, ¿puede el cuerpo vengarse?
Escénicas. 19 de septiembre a las 22h. Mi padre no era un famoso escritor ruso, de Bárbara Bañuelos.
Una reflexión sobre la salud mental y el cuerpo. Una experiencia individual y subjetiva que en el acto de compartirla se convierte en social. Un cuerpo atravesando una experiencia. Y la narración en formato escénico de esa experiencia. Un proyecto de investigación personal y social. Una reflexión sobre la salud mental y el cuerpo (el cuerpo físico, institucional, mental, social, urbano, afectivo, político, etc.) y cómo estos cuerpos y estas voces ocupan un espacio en nuestra sociedad y de qué maneras nos relacionamos con ellos. Este proyecto parte del descubrimiento por parte de Bárbara de un secreto familiar y la necesidad de reconstrucción de la historia de su abuela paterna.
Bárbara Bañuelos compagina su trabajo escénico con diversos proyectos musicales. Mi padre no era un famoso escritor ruso, un documental escénico es su nueva pieza sobre cuerpo y sufrimiento mental que se ha presentado en multitud de festivales. Está comenzando el proceso de investigación y creación de su próxima pieza La mujer (del) francotirador, un ejercicio de suelo, sobre cuerpo y literatura. 90 dB fue su primera pieza escénica con la que ganó el premio Injuve 2009. Con Inventario: memorias de una aspiradora, junto a cientos de papeles y objetos desechados que ha ido recopilando en los últimos 20 años, ha recorrido los suelos de espacios escénicos y expositivos como Musac, Artium, Caixa Forum, Teatro Pradillo, Festival Escena Abierta. Además es voz en Elephant Pit, y forma parte de Ju., proyecto musical que se ha consolidado con dos álbumes: Poco Adrede Nunca y Todo y la cabeza.
Audiovisuales. 21 de septiembre a las 22h. Vangelo, de Pippo Delbono Italia, 2016. 85’. VOSE
La idea de poner en escena el Evangelio toma forma a través de las vidas de las personas refugiadas, protagonistas indiscutibles de una nueva era.
Pippo, un director de teatro, viaja a un centro donde las personas refugiadas vienen a buscar asilo. Comparten su vida cotidiana, en la que se encuentran suspendidos entre recuerdos dolorosos y un futuro incierto. De manera progresiva estas personas se abren al director y le cuentan sus historias. Algunas de estas se recogen en la película, otras permanecen secretas.
Pippo Delbono es un actor, director, creador escénico y audiovisual. Su práctica mezcla distintas disciplinas y prácticas, incorporando música, danza y fotografía a sus creaciones teatrales. Delbono está particularmente interesado en los principios del teatro asiático, donde se unen el trabajo del actor y del bailarín.
Exposiciones. Del 12 al 29 de septiembre. Sala A. Esclimética, de Rafael Torres
Esclimética es un neologismo creado por el artista y Doctor en Medicina Rafael Díaz (Santa Ana, El Salvador, 1972) creado a partir de otros lenguajes, nombres y términos ya interrelacionados como ‘esculapio’, clínica médica y ética.
Su obra recorre temas tales como los cuidados paliativos, la eutanasia, la pérdida de memoria, la biotecnología, el VIH y su relación con la industria farmacéutica, y las adicciones: en Asistolia reflexiona acerca de la cuestión de la dignidad en la transición y cambio de estado que se producen entre la vida y la muerte. La obra Once upon a time… muestra un método que detecta el deterioro cognitivo del paciente y hace compartir la emoción de su experiencia como médico a través del cuidado de sus pacientes más vulnerables que luchan por subsistir sin memoria. Lux habla de la fuerza del pensamiento humano, generador de luz dando forma de rosetón medieval a un grupo de escáneres cerebrales. Desde la serie Antirretrovirales plantea una reflexión acerca de la limitada accesibilidad a los tratamientos y sus devastadoras consecuencias para quienes no tienen acceso a ellos. Con el Pantone de los envases de los medicamentos narra la problemática ética existente, siguiendo una lógica de la distribución de los colores que va desde el más barato al más caro.
Por último, el díptico Dual ilustra la patología en la que la línea entre las enfermedades mentales inducidas por sustancias y enfermedades preexistentes se diluye dejando a los pacientes en un laberinto sin salida.
Rafael Díaz toma conciencia de los distintos canales de comunicación que se desarrollan a través del vínculo médico/paciente. Mediante este planteamiento, el conocimiento científico y la práctica artística interactúan para construir un lenguaje visual híbrido, en el que los pacientes también comparten autoría. Juntos crean documentos científicos de una gran carga visual, con información relacionada con diagnósticos y tratamientos o generan una línea de pensamiento crítico entre la enfermedad, la ética y la sociedad, donde la naturaleza humana se muestra en su máxima vulnerabilidad.
Del 10 de septiembre al 31 de octubre. Segunda Planta. El Muro, de Alberto de Torres
El Festival Internacional de Artes Escénicas ÍDEM acoge en su edición de 2019 el trabajo de Alberto de Torres (Madrid, 1974). Este artista pertenece al colectivo Debajo del Sombrero, plataforma de arte en la que, a la manera de los Art Supported Studios europeos y norteamericanos, artistas con discapacidad intelectual trabajan asistidos.
El Muro de La Casa Encendida mostrará una selección del trabajo artístico de Alberto de Torres: «Cada semana la aparición de Alberto en el taller es una sorpresa renovada. Su llegada se hace sentir por lo que tiene de entrar de veras a un lugar y entrar para ser mirado, habiéndolo convertido ya en escenario. Así es, Alberto aparece, se presenta. Actúa su aparición cogiéndonos por sorpresa a los que sin saberlo asistimos a su entrada en escena. Desconcierta lo improvisado y ambiguo de su vestimenta. Elegante unas veces, extravagante otras, el juego de presentarse y aparecer, con el tiempo se ha convertido en un ensayo cada vez más intencionado de recorrer un repertorio de personajes inquietantes que posan, a veces mirando detrás de una máscara, o recreando una instantánea robada o, últimamente, infiltrado de buenas a primeras entre un público que se encuentra de repente con la presencia insólita de una figura que no se sabe que pinta allí en medio».
El Muro es un espacio donde mostrar proyectos realizados por las personas protagonistas de muchas de las actividades que se desarrollan en las aulas, laboratorios, torreones y otros lugares de La Casa Encendida; un soporte para que quienes provienen de cualquier ámbito de actuación -Medio Ambiente, Educación, Cultura o Solidaridad- puedan alzar su voz y compartir sus trabajos.
