Todo comienza gracias a Mateo Bandello y su obra Los amantes de Verona. Sin embargo, su nombre no ha trascendido como el de Shakespeare o Lope de Vega. ¿Por qué piensas que es esto?
Quizás la razón por la que Mateo Bandello no alcanzó la misma fama que Shakespeare o Lope de Vega podría estar relacionada con el impacto diferente que tuvieron sus obras en su tiempo. Sus historias quizás no lograron cautivar al público de la misma manera que las de los otros escritores. Y creo que el contexto histórico y cultural también influyó. Es posible que Bandello estuviera opacado por la presencia de otros escritores más destacados en esa época. También podría haber tenido problemas para promocionar sus obras o enfrentarse a una fuerte competencia, lo que hizo que su legado no perdurara tanto como el de Shakespeare o Lope de Vega.
¿Qué tiene Romeo y Julieta que la haga tan especial?
Romeo y Julieta es una obra extraordinaria por diversas razones. En primer lugar, la manera en que explora el amor es simplemente atemporal. La intensidad y la autenticidad de los sentimientos entre los protagonistas continúan resonando en el corazón de las personas a lo largo de las generaciones. Además, la historia aborda una amplia gama de temas universales como la rivalidad, el conflicto familiar, la juventud y la tragedia, lo que permite que personas de distintas épocas y culturas se identifiquen con distintos aspectos de la trama.
Lo especial de Romeo y Julieta radica en la maestría de Shakespeare para crear personajes complejos y realistas. Cada uno de ellos posee una profundidad psicológica que cautiva al público y hace que la historia cobre vida de manera vívida y conmovedora. La dualidad de los personajes principales, su apasionado amor y las circunstancias trágicas que los rodean despiertan una profunda empatía en el lector o espectador.
Además, la habilidad del autor para tratar la dicotomía entre el amor y el conflicto, así como la capacidad de presentar diálogos ricos y poéticos, contribuyen a su perdurable relevancia en la literatura. Shakespeare no solo logra capturar la esencia del amor apasionado, sino que también indaga en la fragilidad de las relaciones humanas y la complejidad de las emociones.
Tras leerla y analizarla exhaustivamente decides trabajar sobre el personaje de Mercucio. ¿Qué te atrajo de él?
Lo que más me atrajo de Mercucio es la compleja relación que tiene con Romeo. A lo largo de la obra, se percibe una conexión profunda y una amistad sólida entre ambos personajes. Me llamó la atención cómo Mercucio decide intervenir en el conflicto entre Romeo y Teobaldo, lo que finalmente resulta en su muerte, y esto puede interpretarse desde diferentes perspectivas. Si bien su lealtad hacia Romeo es evidente en su acto heroico, creo que la motivación de Mercucio va más allá de simplemente defender a su amigo. Pude notar indicios de una posible frustración o resentimiento acumulado en Mercucio, quizás relacionado con su personalidad extravagante y su posición en la sociedad de Verona. Esto podría haber influido en su disposición a enfrentarse a Teobaldo y, en última instancia, dar su vida para proteger a Romeo.
También noté una especie de tensión no resuelta entre Mercucio y Romeo, lo que añade una capa adicional a la complejidad de su relación. Esta dinámica no explícita puede ser motivo de especulación y análisis sobre los motivos subyacentes de Mercucio para actuar de manera tan decisiva y arriesgada. Por estas razones, encuentro a Mercucio como un personaje intrigante que deja espacio para debatir sobre su verdadera motivación y la complejidad de sus relaciones en la historia.
Algo que se puede leer en todos los lados cuando buscas sobre Mercucio es que hay una tradición que cuenta que Shakespeare declaró que se vio obligado a matarlo no fuera a ser que el propio Mercucio matara a Shakespeare y con él a la obra. ¿Es Mercucio el gran protagonista de Romeo y Julieta?
Creo que Mercucio despliega una presencia considerable en Romeo y Julieta, aunque yo no lo consideraría el gran protagonista. Definitivamente es un personaje fundamental que impacta significativamente en la trama. Su personalidad vibrante, sus discursos ingeniosos y su influencia en Romeo agregan profundidad a la historia. Mercucio no solo es un amigo cercano de Romeo, sino que también representa un contraste vital con la seriedad del protagonista. Su energía, humor y actitud despreocupada contrastan con el amor apasionado y la tragedia que rodean a Romeo y Julieta. Además, su muerte a manos de Teobaldo marca un cambio crucial en la obra, llevándola hacia la tragedia y el destino funesto que afecta a los amantes.
Su presencia es significativa ya que influye en las decisiones de Romeo, aporta dinamismo a la historia y ofrece una perspectiva diferente en el desarrollo de los acontecimientos. Aunque el foco principal sigue en Romeo y Julieta, la figura de Mercucio añade una dimensión adicional que podríamos interpretar como un papel protagonista complementario en la trama.
¿Por qué el público suele tener tanta simpatía por Mercucio?
Creo que el público tiende a sentir mucha simpatía por Mercucio debido a su personalidad única y su sentido del humor. Es un personaje que destaca por su ingenio, sus comentarios ingeniosos y su manera de hablar tan peculiar. Su energía y su forma de ser tan extrovertida hacen que sea fácilmente querido por la audiencia. Su amistad con Romeo es evidente y profunda, lo que puede generar empatía en la gente. Siempre está ahí para apoyar a su amigo y su muerte, defendiendo a Romeo, impacta mucho a la audiencia. Esa lealtad y valentía son cualidades que la gente admira y eso hace que conecten con él aún más.
¿Cómo has reinterpretado las incógnitas que quedan sueltas en relación al personaje?
Decidí detener el tiempo en el momento crítico de la muerte de Mercucio, donde se me abrió una oportunidad para explorar las incógnitas que rodean al personaje. Interpreté que, en esos instantes finales, Mercucio experimentaba una mezcla de emociones complejas. Podrían surgir reflexiones sobre su lealtad hacia Romeo y la razón detrás de su intervención en el conflicto con Teobaldo. Tal vez se plantea preguntas sobre su propia identidad y el papel que desempeña en la sociedad de Verona, cuestionándose si su personalidad extravagante y su estilo de vida tienen un lugar dentro de ese entorno.
Además, podrían surgir dudas sobre la verdadera naturaleza de su relación con Romeo, dejando espacio para interpretaciones más profundas sobre posibles tensiones no resueltas o aspectos no revelados de su amistad. Esta introspección en los últimos momentos de Mercucio podría arrojar luz sobre sus motivaciones más profundas, sus sentimientos hacia sus seres queridos y el significado de su papel dentro de la tragedia que se avecina.
El título de la obra es Obscuro, ¿a qué hace alusión?
Obscuro, que es una forma arcaica de decir oscuro, sugiere una inmersión en las capas más profundas y menos visibles de la psicología de Mercucio, uno de los personajes más intrigantes de la obra. A menudo, los aspectos más oscuros de un personaje no se presentan de manera evidente en la superficie de la historia. En este sentido, el título representa una exploración más profunda de los motivos, las pasiones ocultas, los conflictos internos o las experiencias pasadas que influyen en las acciones y personalidad de Mercucio.
La palabra ‘obscuro’ evoca la idea de algo misterioso, complejo e intrincado. En el contexto de esta obra, sugiere que hay facetas desconocidas o menos exploradas de Mercucio que están por descubrirse. Se trata de sus motivaciones más profundas, sus emociones más íntimas o incluso secretos que pueden estar influyendo en sus decisiones y comportamiento. Explorar lo ‘obscuro’ no necesariamente implica algo negativo, sino más bien la complejidad inherente a la condición humana. Revelar estas capas más profundas puede enriquecer la comprensión del personaje y proporcionar una perspectiva más completa de su papel en la historia.
¿Cómo es la coreografía y la dramaturgia que habéis elaborado?
La coreografía y la dramaturgia que hemos elaborado se entrelazan estrechamente para crear una experiencia escénica dinámica. La coreografía, creada por Roberto Granero, está diseñada específicamente para plasmar y resaltar los elementos dramáticos que conforman la historia. Actúa como un medio de conexión entre los personajes, permitiendo que sus mundos interiores se reflejen a través de movimientos que realzan sus emociones y pensamientos.
Por otro lado, la dramaturgia que he creado se centra en explorar los pensamientos de Mercucio, lo que agrega capas adicionales a la narrativa y proporciona una perspectiva más profunda de los personajes y sus motivaciones. Esta dramaturgia ha evolucionado durante el proceso de ensayos, me gusta tener flexibilidad en los textos que creo, así permito que se adapten y crezcan junto con la dirección y la coreografía.
La colaboración estrecha entre Roberto y yo desde el inicio del proceso de investigación ha sido fundamental. Esta colaboración ha permitido que la creación del movimiento esté intrínsecamente ligada a la visión general de la obra, asegurando que la coreografía no solo sea estéticamente impactante, sino que también se integre orgánicamente con la narrativa y la evolución de los personajes. La unión entre ambos ha sido una parte integral del proceso creativo, lo que ha permitido que la obra cobre vida de manera coherente.
¿A qué lugares nos transporta y que viaje nos invitáis a realizar con ella?
Con la combinación de la coreografía y la dramaturgia os invitamos a realizar un viaje extraordinario a través de la mente de los personajes. La danza se convierte en el vehículo que nos transporta a lugares fantásticos e insólitos, lugares que existen únicamente dentro de la rica imaginación de los protagonistas.
Esta experiencia os sumerge en un viaje vertiginoso por los pensamientos más profundos y las emociones más intensas que habitan en la mente del personaje. Os lleva a recorrer esos lugares que son difíciles de acceder o expresar a través de la palabra, permitiéndonos explorar mundos internos que van más allá de lo tangible y lo cotidiano.
A través de la danza, somos testigos de una travesía emocional y mental que nos lleva a lugares emblemáticos y sorprendentes, sin límites ni restricciones. Es un viaje que desafía la lógica y que nos sumerge en la vastedad y complejidad del mundo interior de los personajes, creando una experiencia sensorial al espectador.
No es fácil hacer obras de danza-teatro y que empasten bien. ¿Cómo habéis elaborado ese trabajo para lograr un producto bien equilibrado?
Para lograr un equilibrio efectivo en nuestra obra de danza-teatro, hemos seguido un proceso meticuloso que se basó en la experiencia previa y la colaboración estrecha entre Roberto Granero y yo, proveniente de nuestro trabajo en un proyecto teatral anterior, El sombrero de un poeta. Esta experiencia nos brindó un entendimiento profundo de cómo integrar la danza y el teatro de manera armoniosa y significativa.
Comenzamos nuestro trabajo actual con un proceso intenso de investigación, donde exploramos y delineamos los impulsos del cuerpo en movimiento. Este enfoque nos permitió consolidar la integración de ambos lenguajes artísticos de manera fiel a la dramaturgia y al desarrollo del montaje. La clave fue encontrar la coherencia entre la danza y la narrativa, asegurándonos de que cada movimiento y expresión coreográfica estuvieran alineados con la historia y los elementos dramáticos que queríamos transmitir.
Durante este proceso, buscamos continuamente un equilibrio entre la danza y el teatro, asegurándonos de que ambos elementos se complementaran y potenciaran entre sí en lugar de competir. Fue fundamental mantener la fidelidad a la dramaturgia mientras explorábamos la expresión a través del movimiento, encontrando así puntos de conexión que fortalecieron la cohesión del trabajo.
La comunicación constante y la colaboración estrecha entre nosotros permitieron que el proceso creativo evolucionara de manera orgánica. Esta interacción fluida nos dio la capacidad de ajustar y perfeccionar la integración de la danza y el teatro a medida que avanzábamos, asegurándonos de alcanzar un producto final bien equilibrado y cohesivo en su expresión artística.
Si la palabra sirve para esconder verdades… ¿la danza y el movimiento no engañan?
La danza y el movimiento, en su naturaleza no verbal, tienen la capacidad de revelar verdades y emociones de una manera que la palabra a veces no puede hacer. Mientras que la palabra puede ser utilizada para esconder verdades o ser influenciada por la hipocresía y las máscaras sociales, la danza emerge como un medio auténtico y directo para contrastar y desentrañar las verdades subyacentes.
En Obscuro, la danza se presenta como un vehículo para explorar y confrontar las verdades que escapan a la hipocresía y a las máscaras que la sociedad impone. Permite un viaje a la profundidad de los personajes, revelando su destino, sus sueños y sus deseos ocultos que se ocultan detrás de una realidad impuesta.
A veces, ciertos estados emocionales y pensamientos no pueden o no quieren ser explicados completamente con palabras, ya que estas pueden estar condicionadas o limitadas. En tales momentos, es el lenguaje del gesto y el movimiento el que tiene el poder de quitar las máscaras y mostrar la verdad más auténtica, despojada de cualquier disfraz o engaño.
Roberto me decía: “la danza y el movimiento ofrecen una forma más directa y sin máscaras para revelar las verdades más profundas y auténticas de los personajes, permitiendo una exploración más íntima y sincera de sus emociones y pensamientos”.
¿Quiénes formáis Rateatro y cómo surge vuestra compañía?
Rateatro somos una compañía teatral fundada por Juan José Ballesteros, profesor de literatura y lengua inglesa y yo en 2019 con el propósito de crear y producir nuestros propios espectáculos. A pesar de los desafíos presentados por la pandemia en 2020, logramos llevar a cabo el estreno de nuestro primer espectáculo bajo este nombre, un musical infantil basado en la adaptación de El cumpleaños de la Infanta de Oscar Wilde.
Desde los inicios hemos mantenido una colaboración constante con Tamara Rosado y hemos trabajado con diversos actores en cada una de nuestras producciones teatrales. En la actualidad, hemos fortalecido la compañía con la colaboración de Roberto Granero, lo que ha consolidado una unión sólida en el equipo creativo.
Esta combinación de talentos y colaboraciones ha sido clave para el desarrollo y la evolución de Rateatro, permitiéndonos explorar diferentes estilos teatrales y enriquecer nuestras producciones con la diversidad de perspectivas y habilidades aportadas por cada miembro del equipo.
¿Qué tipo de teatro os interesa llevar a cabo?
En Rateatro nos impulsa el deseo de producir un tipo de teatro que vaya más allá del mero entretenimiento. Nos esforzamos por crear obras que despierten la conciencia del espectador, que lo sumerjan en un viaje emocional y mental, y que lo inviten a reflexionar sobre temas relevantes y profundos de la vida.
Nos interesa explorar historias que puedan resonar con la audiencia a nivel emocional e intelectual. Buscamos generar un impacto duradero, promoviendo la reflexión sobre aspectos de la sociedad, la condición humana, dilemas éticos o cuestiones existenciales. Creemos firmemente en el poder transformador del teatro como una herramienta para provocar cambios, estimular el pensamiento crítico y abrir nuevas perspectivas en el espectador.
A través de nuestras producciones, aspiramos a crear un espacio donde el público no solo disfrute de la representación, sino que también se sienta desafiado y motivado a reflexionar sobre los temas tratados. Queremos que el público se sumerja en las complejidades de las historias que presentamos, llevándolos a pensar más allá de la superficie y conectarse con las emociones y dilemas planteados en cada obra. Nuestro enfoque teatral está dedicado a provocar experiencias significativas que inspiren, cuestionen y enriquezcan el diálogo interno y colectivo de quienes nos acompañan en nuestra narrativa escénica.
¿Cómo ves la escena teatral de nuestra ciudad?
Desde mi perspectiva, la escena teatral en Madrid está experimentando un florecimiento notable. La ciudad se ha convertido en un epicentro para una variedad de propuestas teatrales, desde las grandes producciones hasta el teatro independiente. Es inspirador ver cómo las grandes producciones teatrales están en auge, atrayendo a un público más amplio y consolidándose como una parte fundamental de la oferta cultural de Madrid.
Además, la presencia y la influencia de los teatros independientes en la escena también son destacables. Esta diversidad de propuestas teatrales ofrece al público una gama completa de opciones, desde espectáculos más convencionales hasta producciones más arriesgadas e innovadoras.
La sinergia entre los teatros independientes y las grandes producciones crea un ecosistema teatral en el que ambos se benefician. Esta unión fortalece el interés del público en el teatro en general, ya que hay una mayor oferta para satisfacer los diferentes gustos y preferencias.
Por todo eso, la escena teatral de Madrid se está volviendo cada vez más rica y diversa, con una amplia variedad de propuestas que atraen a un público creciente. Esta combinación de grandes producciones y teatro independiente contribuye a enriquecer la oferta cultural de la ciudad y a fomentar un mayor interés y participación del público en las artes escénicas.
Y habiéndote formado en una de nuestras salas independientes más representativas como es Bululú 2120 y formando parte de su profesorado, ¿cómo ves la salud de estos espacios independientes?
Sin duda, la escena teatral en Madrid está en constante crecimiento y desarrollo. Es alentador ver cómo cada vez más salas de teatro independiente están emergiendo y ofreciendo una diversidad de propuestas escénicas. Es evidente que hay un aumento en la asistencia de espectadores a los teatros, lo que refleja un interés creciente por las artes escénicas en nuestra ciudad.
Sin embargo, es cierto que a veces las salas independientes enfrentan el desafío de una sobrecarga de programación en un mismo día. Esta superposición puede generar una competencia interna entre las propias salas, lo que puede dificultar la visibilidad de algunas producciones.
A pesar de este desafío, percibo que Madrid tiene una red teatral sólida y vibrante. Esta diversidad y riqueza de propuestas ofrecen al público una amplia gama de opciones para disfrutar de distintas experiencias teatrales. Además, la fuerza y la vitalidad de la escena teatral independiente demuestran la pasión y el compromiso de los artistas y creadores con sus obras, lo que contribuye significativamente a enriquecer el panorama teatral de la ciudad.
¿Cuál es la enseñanza principal que quieres dejar a lxs alumnxs que acuden a tus clases?
La principal enseñanza que busco transmitir a mis alumnos en mis clases de interpretación es la importancia de perseverar en la búsqueda de sus sueños en el mundo del teatro. Les inculco la idea de que este camino puede ser desafiante, pero nunca imposible. Les animo a que mantengan viva su pasión y que se esfuercen por alcanzar sus metas, recordándoles que cada uno lleva dentro su propio potencial como actor o actriz.
Además, les enfatizo la importancia de ser auténticos y fieles a sí mismos en el proceso creativo. Les insto a explorar su propia identidad y a confiar en su singularidad como artistas. Les recuerdo que cada uno tiene su propio actor o actriz interior y que descubrir y cultivar esa individualidad es esencial para su desarrollo artístico.
Mi objetivo principal es motivar a mis alumnos a perseverar, ser auténticos y confiar en sí mismos mientras exploran su camino en el mundo de la actuación. Quiero inspirarlos a nunca dejar de luchar por sus sueños y a cultivar su identidad única como artistas.
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