CAMBIO DE ÚLTIMA HORA: El espectáculo Wanting de CÍA.FERROVIARIA del 12 de abril se ha cambiado por Open Borders de EnClaveDANZA. Una pieza, que bajo la dirección artística de Cristina Masson, habla de lo rural y lo urbano con una mirada en la mujer dentro de una España vaciada.
La Fundación SGAE celebra once años de Bailar en la Berlanga, un ciclo de danza contemporánea y española que cuenta con la colaboración de la Federación Estatal de Asociaciones de Compañías y Empresas Profesionales de Danza (FECED). La iniciativa, desde su nacimiento, busca poner en valor la creación dancística en todas sus formas, trayendo al escenario a coreógrafos y coreógrafas de muy diversas procedencias y sensibilidades. Entre los coreógrafos seleccionados en ediciones anteriores encontramos a Kukai Dantza, Daniel Doña Cía, Compañía dlcAos, Carmen Roche, Elías Aguirre, Mercedes Pedroche, DOOS Colectivo, Carmen Fumero, Vanesa Aibar, Sara Cano, Natalia Jiménez, LaMOV, Miss Beige o Co-Lapso cía., entre otros.
En esta edición, la Sala Berlanga de Madrid (c/ Andrés Mellado, 53. Entradas: 3,50 euros. A la venta en taquilla y entradas.com + g.g.) acogerá seis espectáculos del 8 al 12 de abril (a partir de las 19h30) que exploran y juegan con el teatro, con el movimiento y la expresión del cuerpo y que conmueven al espectador con música en vivo y ritmos que hacen latir nuestro corazón. Podremos disfrutar del trabajo de Rolando Salamé, laMonto, Francisco Hidalgo Cía, Alejandro Lara Dance Project (candidato a los Premios Max – Pamplona Iruña 2025), Chevi Muraday y Losdeade Dance Company, y Cía. Ferroviaria. Tras los espectáculos, la periodista especializada Olga Baeza (A compás, RNE) moderará un debate con las compañías.
LOSDEDAE DANCE COMPANY Y ALEJANDRO LARA DANCE PROJECT: DOS CITAS IMPRESCINDIBLES
En esta ocasión, dos propuestas destacan entre las demás por diferentes motivos. La primera es Return, Volumen 2 (11 de abril), dirigida por Chevi Muraday, que sirve para conmemorar los 30 años de una de las compañías de danza más importantes de nuestro país, Losdeade Dance Company. La otra, poder volver a ver en Madrid (estuvo en Teatros del Canal dos días el septiembre pasado) Latido y tañido (10 de abril), de Alejandro Lara Dance Project, tras sus seis candidaturas a los Premios Max 2025 (Mejor espectáculo de danza, Mejor composición musical para espectáculo escénico, Mejor coreografía, Mejor intérprete masculino de danza, y dos en Mejor intérprete femenina de danza).
Return fue una pieza estrenada en 2013 donde la danza y la palabra dialogaban en un mismo plano para sumergirse en las relaciones de pareja y las frustraciones que se originan ante las expectativas propias y las generadas por la sociedad. Interpretada en su momento por Muraday y la actriz Marta Etura, su reposición este año está dentro del marco de actividades que Losdedae está llevando a cabo por su aniversario como compañía. Para ello, nos explica el bailarín y coreógrafo, «he querido ser fiel a la pieza como se hizo en su momento porque fue un punto de inflexión en mi trabajo. No percibo el amor en la adolescencia igual que en la madurez, la visión del entorno es otro y tu posición ante él es completamente distinto. Creo que si ahora crease Return no tendría nada que ver con la original y por eso nos resulta tan especial volver a ella». Esta vez serán Tamar Vella y Víctor Ramos quien subirá a las tablas esta propuesta, ya que la idea es que las distintas reposiciones que van a realizar sean interpretadas por elencos distintos a los originales con otros artistas que han trabajado durante estos años en la compañía. «Me va a dar la oportunidad -comenta Muraday- de mirar la pieza desde fuera. En estos 30 años es la primera vez que sucede, siempre he dirigido formando parte del elenco».
Por su parte, Latido y tañido, como no podía ser de otra manera por las características de la puesta en escena, se presentará en el ciclo con ciertas modificaciones que Alejandro Lara ha realizado encantado ya que es muy importante que «la Fundación SGAE haya apostado de una manera tan contundente por un espectáculo de esta envergadura de una compañía de formato mediano-grande, que la mayoría de las veces solo se puede ver en teatros. Es para mí y todo mi equipo una forma de poder encarar un reto más, pero sobre todo abrir un canal de confianza para que en el futuro otras compañías de formato similares a la mía puedan formar parte de ciclos tan importantes como este». Para Lara, lo esencial es que más espectadores pueden ver este trabajo «en el que literalmente he puesto mi corazón al servicio del arte; un corazón compuesto por un equipo humano y artístico que siempre logra que esta obra pueda latir intensamente». En cuanto al origen del espectáculo, confiesa «que es el más introspectivo, identitario y visceral que he creado hasta la fecha, ya que hago un recorrido por diversas emociones muy intensas que he vivido en primera persona en el último año y que me han calado muy fuerte. Llegó un día en que todo eso que sentía se fue convirtiendo en movimientos, sonidos, imágenes, colores y un amplio imaginario que fui unificando hasta que todo eso conformó este proyecto». Interpretada por ocho artistas en escena y música en directo, en la pieza se reinterpreta la música clásico-española de grandes compositores como Falla, El Bola, Albéniz, Bretón, Santiago Murcia… con un sonido más actual, algo que forma parte del ADN de la compañía, y se explora la relación entre el latido del corazón y el tañido de los instrumentos de cuerda como recurso artístico. «Gracias al amor y aportación mutua hacia este tipo de música en concreto, Victor Guadiana y yo hemos hecho lo que considero un tándem perfecto entre tradición y actualidad. Respaldado por la interpretación en vivo y en directo a la guitarra de José Almarcha y al violín del propio Víctor». Una fórmula que ha logrado diversas candidaturas a los próximos Premios Max, hecho que Lara recibe «con mucho vértigo», al tiempo que lo toma como «un impulso para seguir creando y continuar confiando en mí, ya que, de verdad, a veces se hace muy complicado en el mundo de las artes escénicas».
CUERPOS DIALOGANDO Y EN TRÁNSITO
El 8 de abril llegará a la Berlanga Next to my skin de laMONTO que, en palabras de la propia compañía, se trata de «una pieza de danza contemporánea intensa y orgánica, donde el cuerpo y la música en directo se funden en un diálogo íntimo. Un trabajo que parte de la fisicalidad extrema y del contacto, donde los cuerpos se sostienen, se impulsan y se desafían, explorando cómo sentir al otro y cómo responder sin palabras». Con esta propuesta performativa coreografiada por Rosa Mari Herrador Montoliu, laMONTO continúa su camino para que la danza trascienda la técnica y se convierta en una experiencia sensorial y emocional para el público. Bajo esa premisa, para esta función han tenido que adaptar la pieza: «Next to my skin nació en espacios abiertos, donde la cercanía y la interacción con los espectadores son más directas. En una sala, el contacto se percibe de otra forma, lo que nos ha llevado a ajustar la intensidad y la proyección del movimiento para mantener la esencia de la obra. Ha sido un reto interesante, pero también una oportunidad para descubrir nuevas capas dentro del trabajo».
También el día 8 podremos ver El mundo atrás de Rolando Salamé, una experiencia de danza y teatro físico en la que se profundiza sobre el triunfo de la esperanza sobre el miedo. Salamé explica «que en esta pieza que trata de un éxodo, esa esperanza se encuentra en el impulso de seguir adelante. En el levantarse una y otra vez por alcanzar un lugar que quizás es solo un sueño; en el intento, a pesar del absurdo. En la lucha de esos cuerpos que danzan por no desaparecer. La iluminación, la música, los sonidos, el texto… plantean distintas atmósferas, emociones, situaciones, sobre los que prevalece esta pulsación que conduce el viaje, que son parte o se inspiran en el material que recogimos durante la investigación para este trabajo. Por ejemplo, la encontramos en algo sutil, como un haz de luz atravesando la destruida biblioteca de Sarajevo, fotografiada en 1993 por Gervasio Sánchez, o en algo que duele más, como ver a través de una pantalla a unos niños jugando sobre las ruinas en un recreo entre bombardeos. Hay algo de esa esperanza que uno quiere que prevalezca». Los quince minutos que dura la propuesta original se transformarán en una versión de treinta para su puesta en escena en Madrid. Además, declara que «tendremos que adaptar la coreografía a las dimensiones del escenario que es menos profundo de lo habitual». Un reto que Salamé y su equipo toman «con humildad, amor a nuestro oficio y muchas ganas».
LA BELLEZA PURA Y, A VECES OSCURA, DE RIMBAUD
Sobre Rimbaud / del horizonte al silencio es el trabajo con el que el día 9 se presentará Francisco Hidalgo Cía. Un solo inspirado en el poeta francés Artur Rimbaud, que, como un palíndromo, dependiendo del lado desde que lo leas, tiene un sentido diferente. Desarraigado del pasado y liberado de la música, Hidalgo baila lo no dicho y, mientras Artur Rimbaud pasó de la literatura a la vida, él pasa de la vida a la danza para descubrirnos «un nuevo acceso a la vida fascinante de este poeta donde se va a hacer visible su búsqueda de la belleza y su valentía para bajar en los abismos y salir sin una única cicatriz», comenta Susanne Zellinger, que dirige esta producción. Zellinger tuvo la idea de desarrollar este proyecto tras seguir la trayectoria de Hidalgo en los últimos años: «Observé que su lenguaje dancístico evolucionaba en una nueva dirección y que se estaba liberando de ciertos códigos que le quedaban pequeños como una vieja camisa. En la pieza basta con dejar hablar a sus movimientos, que no necesitan palabras, hablan por sí mismos, te llevan de viaje por la vida de Rimbaud sin salir de su lugar ancestral. Lucen por si solos, en una nueva casa con una llave que sólo la tiene él». La compañía mostrará una versión exclusiva, y específicamente creada para este ciclo, del espectáculo, ya que todavía se encuentra en desarrollo y no se ha estrenado.
EXPLORACIÓN POÉTICA DEL DESEO
Wanting de CÍA.FERROVIARIA cerrará esta edición de Bailar en la Berlanga el día 12 de abril. Interpretada y coreografiada por Andrea Carrión, la pieza cuenta con la dirección y dramaturgia de Paco Macià. Ambos han querido indagar sobre como la pulsión sexual se convierte en una experiencia identitaria. Usando el movimiento como lenguaje, la intérprete viaja por estados y situaciones ya vividas, desde las que muestra la más genuina y sincera sensibilidad y vulnerabilidad. Un viaje hacia el dolor y el placer, que conviven al mismo tiempo en todas las mujeres. «El proceso ha sido un salto cualitativo para mí como intérprete y creadora -cuenta Carrión sobre este trabajo-. Paco ha sabido muy bien cómo utilizar mis fortalezas y en qué exigirme para hacerme crecer. Con él he llevado a cabo un proceso de refinación de mis habilidades y una exaltación de mi identidad artística. Hemos tenido tiempo para experimentar mediante la práctica como utilizar los lenguajes, eso es lo que tiene más valor para nosotros y lo que más hemos disfrutado». Para recrear esta exploración sobre el deseo, el escenario se viste solo con una cuerda colgada, una cortina dorada, un micrófono, la iluminación ideada por Andrés Galián y el espacio sonoro creado por Pedro Contreras. En la Berlanga, no podremos ver el sistema de elevación mediante una polea que suele utilizar Carrión en la obra original, pero se ha realizado «una opción de suelo manteniendo la misma idea e intención. Aunque la auto elevación supone una sensación muy valiosa para mí como intérprete, la adaptación me hace conectar más con el público manteniendo una fragilidad que es fundamental en ciertos momentos», aclara la coreógrafa.
